A propos d’une série de dessins de Serafino Macchiati, illustrateur et interprète de la vie parisienne

Par Lucia Germani

Dans le cadre d’un échange Erasmus entre l’Université de Roma Tre et l’École du Louvre pendant ma deuxième année de Master en Histoire de l’art avec une spécialité en Histoire du dessin, j’ai eu l’occasion d’effectuer un stage au sein du Département des Estampes et de la photographie de la BnF. J’ai réalisé un récolement des dessins italiens conservés dans les collections du département, en découvrant en même temps la multiplicité des missions d’un conservateur de dessins.

Le Département des Estampes et de la photographie conserve une série de 23 dessins à l’aquarelle et au lavis d’encre sur carton rosé, réalisés par le peintre et illustrateur italien Serafino Macchiati (Camerino, 1861 – Paris, 1916).

Entrés dans les collections de la Bibliothèque Nationale en 1962 à la suite d’une acquisition auprès de la galerie Prouté, les dessins de différents formats présent un montage uniforme sur un papier bleu-vert clair.

Serafino Macchiati,
Dessins préparatoires aux illustrations pour le roman Le Scorpion de Marcel Prévost,
avant 1903, aquarelle, lavis d’encre et gouache sur carton rosé
Paris, BnF, Département des Estampes et de la photographie, Réserve B-25 (3) – Boîte fol

À l’exception d’une feuille, tous les dessins de la série sont préparatoires aux illustrations du roman Le Scorpion de Marcel Prévost (Paris, 1862 – Vianne, 1941), publié par Alphonse Lemerre en 1903[1].

Frontispice du roman de Marcel Prévost, Le Scorpion, illustré par Serafino Macchiati.

Biographie de l’artiste 

Società di belle arti. Arte italiana del XIX e XX secolo ©

Né à Camerino le 17 janvier 1861, le jeune Serafino suit sa famille dans ses nombreux déplacements à travers l’Italie centrale et la Campanie, jusqu’à son installation à Rome en 1880[2].

En 1883, une œuvre de l’artiste est exposée à l’Esposizione di Belle Arti de la Capitale[3]. Dans les années suivantes, il fréquente un milieu intellectuel vivant, animé, entre autres, par les artistes Giacomo Balla ( Turin, 1861 – Rome, 1958) et Umberto Boccioni (Reggio de Calabre, 1882 – Vérone, 1916). Ses premières oeuvres picturales attirent l’attention et l’admiration du peintre et critique d’art milanais Vittore Grubicy de Dragon (Milan, 1851 – ivi, 1920), avec lequel Serafino signe un contrat d’engagement.

Après sa rupture avec Vittore Grubicy, Serafino réalise des illustrations pour les romans publiés par l’éditeur Treves et, de 1892 à 1896, il entretient une collaboration fructueuse avec la rédaction de la Tribuna Illustrata, en fournissant à la revue une cinquantaine de dessins[4]. L’écho de sa créativité et de son talent arrivent jusqu’à Paris, où l’artiste s’installe en 1899, appelé par le célèbre éditeur Alphonse Lemerre qui lui commande des illustrations pour une série de romans de Paul Bourget.

Installé définitivement à Paris, il travaille aussi avec d’autres éditeurs comme Arthème Fayard et Pierre Lafitte et, à partir de 1902, ses illustrations figurent dans les pages du Figaro Illustré. En 1902, il participe pour la première fois au Salon des Artistes Français, en proposant onze dessins pour l’illustration d’un «Conte fantastique »[5]. De 1905 jusqu’à sa mort en 1916, il devient le principal illustrateur du périodique Je sais tout [6].

Bien que sa notoriété et son talent soient désormais largement reconnus en France, l’artiste ne renonce pas à des collaborations italiennes : en 1902-1903, il participe à une réédition illustrée de la Divina Commedia de Dante Alighieri, publiée par les Frères Alinari à Florence. En 1907, certaines de ses œuvres sont exposées à l’occasion de la Biennale de Venise et, l’année suivante, il fait partie du groupe d’artistes sélectionnés pour la Prima Biennale d’Arte Romagnola. Serafino Macchiati meurt à Paris le 12 décembre 1916. En 1922, la Biennale de Venise lui consacre une salle personnelle avec 32 œuvres.

Les dessins de Serafino Macchiati au Département des Estampes et de la photographie

Inspiré par les tableaux et les illustrations de Giovanni Boldini (Ferrare, 1842 – Paris, 1931), et Giuseppe De Nittis (Barletta, 1946 – Saint-Germain-en-Laye, 1884), comme lui, émigrés en France, mais aussi par des artistes français contemporains comme Edgar Degas (Paris, 1834- 1917) ou Claude Monet (Paris, 1840 – Giverny, 1926), Serafino Macchiati se fait l’interprète de nouveautés introduites par l’impressionnisme  dans le choix des sujets et l’emploi des couleurs.

L’importante série de dessins conservée à la Bibliothèque Nationale n’est pas le seul corpus conservé dans les musées parisiens. En 1916, après la mort de l’artiste, certaines de ses œuvres rejoignent par legs les collections du Musée du Luxembourg, réparties en 1937 dans différentes institutions muséales parisiennes qui conservent encore certains de ces tableaux, comme les Arbres en fleurs, aujourd’hui au Musée d’Orsay.

Serafino Macchiati,
Arbres en fleurs,
entre 1860 et 1916, huile sur toile, 46,5 x 55,0 cm.,
Don Serafino Macchiati, 1916, ©RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski.

Dans une lettre de 1889 à Vittore Grubicy, l’artiste partage ses réflexions sur sa recherche picturale, en s’interrogeant sur le rôle des couleurs et de la lumière dans la pratique artistique :  

Divenire padroni della luce ed allora si verrà inconsciamente – se ne avrete l’animo – a comprendere – od esprimere – il sentimento delle cose [7].

Devenir maîtres de la lumière et alors vous pourrez parvenir inconsciemment – si vous en avez l’esprit – à comprendre – ou à exprimer – le sentiment des choses

Serafino Macchiati n’abandonna pas non plus ses recherches autour des traitements de la lumière dans son travail d’illustrateur. En observant ses dessins conservés aujourd’hui à la Bibliothèque Nationale, il apparaît clairement que son intérêt pour l’impression vive et lumineuse de l’atmosphère, ainsi que pour le changement de ses dégradés aux différents moments de la journée, demeure cruciale.


Serafino Macchiati,
Dessin préparatoire à une illustration du roman Le Scorpion de Marcel Prévost,
avant 1903, aquarelle, lavis d’encre et gouache sur carton rosé
Paris, BnF, Département des Estampes et de la Photographie, Réserve B-25 (3)-boîte fol
Une page du roman Le Scorpion de Marcel Prévost, avec l’illustration de Serafino Macchiati

Les taches de couleurs délicates et les nuances gracieuses participent vivement à cette expérience de suspension émotionnelle, qui évoque les sentiments et les impressions psychologiques des personnages racontés par Marcel Prévost.

Malheureusement disparue à cause de la reproduction photomécanique en noir et blanc dans les pages du romans, la palette de couleurs employée par l’artiste dans ses dessins préparatoires témoigne encore aujourd’hui sa forte volonté de donner une voix plus claire aux émotions vécues par les protagonistes du roman.

Fasciné par la représentation claire et spontanée des états psychologiques, il accorde une attention particulière à la recherche des expressions des visages et des corps dans leur singularité, sans jamais tomber dans le piège du pathétisme.

Dans l’espace étroit d’une illustration, les paysages de la vie moderne sont eux aussi protagonistes : le traitement des tout-petits détails, ainsi que l’usage de la couleur permettent ce que Vittorio Pica (Naples, 1862 – Milan, 1930) a défini comme une « vision délicate de la vie contemporaine, considérée dans ses aspects gracieux, élégants et intimes »[8].


Son talent décoratif se retrouve aussi dans les vignettes, presque banales à première vue, insérés par Serafino en fin de chapitres : la fumée subtile de la bougie et la boite d’allumettes encore ouverte racontent une poésie des objets quotidiens.

La redécouverte de l’œuvre peinte et illustrée de Serafino Macchiati, oubliée et ignorée pendant longtemps en Italie, a fait l’objet d’études et de recherches menées par ses descendants, Willy Macchiati et Silvana Frezza Macchiati. Le site web http://www.serafinomacchiati.com/home_ita.html constitue une source importante pour la connaissance de la vie de l’artiste et de son activité.

Les dessins de Serafino Macchiati, aujourd’hui conservés à la Bibliothèque Nationale, sont aisément consultables dans la salle de la Réserve du Département des Estampes. Leur redécouverte constitue une rare opportunité pas seulement pour les chercheurs intéressés par l’œuvre illustrée de l’artiste, mais aussi pour tous les amateurs qui souhaitent retrouver le plaisir d’une lecture soigneusement illustrée.

Bibliographie

IV Esposizione Internazionale d’Arte della Città di Venezia. Catalogo Illustrato, Venezia, Premiato Stabilimento C. Ferrari, p. 168.

AVI, M., « A Parigi tutt’altro che sprovveduto », in Il Giornale dell’Arte, n° 234, juillet – août 2004, p. 16.

BERNARDI, M., « La rivalutazione di un impressionista », in La Stampa Sera, n °83, 13 avril 1971.

DE GRADA, R., MACCHIATI FREZZA S., Serafino Macchiati : illustratore, Turin, U. Allemandi, 2003.

DE GRADA, R., MACCHIATI FREZZA S., Serafino Macchiati : pittore, Turin, U. Allemandi, 2003.

DRAGONE A., « Un pittore che divenne celebre illustrando romanzi e periodici », in La Stampa Sera, n° 83, 13 avril 1971.

PREVOST, M., Le Scorpion, Paris, A. Lemerre, 1903.

VINARDI, M., « Pacchi di colori e fogli da cento lire. Vittore Grubicy a Serafino Macchiati », in L’immagine tra materiale e virtuale. Contributi in onore di Silvia Bordini, sous la dir. De F. Gallo et C. Zambianchi, Rome, Campisano, 2013, pp. 1-14.

Sitographie

http://www.serafinomacchiati.com/archivio_opere.html

https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/arbres-en-fleurs-21409

https://salons.musee-orsay.fr/index/salons

https://lanouvelleathenes.fr/serafino-macchiati-1861-1916/

[1] La Bibliothèque Nationale conserve un exemplaire du roman de Marcel Prévost. Pour la notice dans le catalogue général, voir http://ark.bnf.fr/ark:/12148/cb44001554k

[2] PICA, V., « Les jeunes illustrateurs italiens : Serafino Macchiati », in DE GRADA, R., MACCHIATI FREZZA, S., Serafino Macchiati : illustratore, Turin, Allemandi, 2003, p. 115. L’article, ici traduit en français, a été originairement publié dans le périodique Emporium, Bergame, Istituto Italiano di Arti Grafiche, série II, P. 192-210.

[3] VINARDI, M., « Pacchi di colori e fogli da centro lire. Vittore Gubricy a Serafino Macchiati », dans  L’immagine tra materiale e virtuale. Contributi in onore di Silvia Bordini, sous la dir. De F. Gallo et C. Zembianchi, Rome, Campisano, 2013, p. 1.

[4] PICA, V., op cit., p. 116.

[5] Pour connaitre toutes les participations de Serafino Macchiati au Salon des Artistes Français, voir https://salons.musee-orsay.fr/index/salons

[6] DE GRADA, R., « Macchiati illustrateur », in Serafino Macchiati Illustratore, sous la dir. de R. De Grada et S. Frezza Macchiati, Turin, Allemandi, 2003, p. 113.

[7] Certains extraits de la correspondance entre Serafino Macchiati et Vittore Grubicy ont été publiés dans VINARDI, M.,  « Pacchi di colori e fogli da centro lire. Vittore Gubricy a Serafino Macchiati », dans  L’immagine tra materiale e virtuale. Contributi in onore di Silvia Bordini, sous la dir. De F. Gallo et C. Zembianchi, Rome, Campisano, 2013, pp. 1-14. Les lettres sont aujourd’hui conservées au Musée d’Art Moderne et Contemporain de Trente et Rovereto (MART), dans le fond Grubicy (GRU), MART, GRU. I.1.1.556 (1889).

[8] PICA, V., op. cit., p. 115.

Un dessin préparatoire pour le Monasticon Gallicanum acquis par le département des Estampes et de la photographie : la vue de Saint-Germain-des-Prés du frère Guillaume de la Tremblaye (1687)

Par Pierre-Marie Sallé, chercheur postdoctorant (Translitterae-ENS/BnF), accueilli au département des Estampes et de la photographie.

Le Monasticon Gallicanum est un recueil historique sur les monastères réformés par la congrégation de Saint-Maur. Les mauristes ne créèrent jamais de nouveaux monastères mais réformèrent, à partir de 1618, quelque deux-cents monastères d’ancienne fondation dans le royaume de France. A partir du milieu du siècle, ils entreprirent d’en faire l’histoire. Leurs recherches érudites les rendirent vite célèbres, autour de la figure de dom Jean Mabillon (1632-1707). En 1672 dom Michel Germain (1645-1694) commença le Monasticon Gallicanum. Il prépara alors des notices historiques sur chacun des monastères mauristes (celle de Saint-Germain-des-Prés fut imprimée), tandis que des vues cavalières furent réalisées pour les illustrer. C’est à travers ces vues que le Monasticon Gallicanum est davantage connu aujourd’hui. Le projet éditorial n’aboutit pas, avec la mort prématurée de dom Germain en 1694. Sur les 180 établissements dont devait traiter le Monasticon, 145 firent l’objet d’une représentation avant l’abandon du projet.

Dom Michel Germain, Notice imprimée de Saint-Germain-des-Prés pour le Monasticon Gallicanum, vers 1690. BnF ms. lat. 12674, f. 194r 

Pour représenter les monastères, différentes méthodes furent employées. Soit un « profil » dessiné était directement demandé à chaque établissement, soit des séries furent réalisées par les religieux architectes qui travaillaient alors à la reconstruction des monastères en circulant au sein de la congrégation. Ces dessins collectés à la maison centrale des mauristes, Saint-Germain-des-Prés, furent rapidement gravés. C’est sous cette forme que la plupart des vues nous sont parvenues. Il nous reste très peu de dessins préparatoires. Jusqu’à récemment, seuls deux étaient connus, conservés au département des Estampes dans la collection Destailleur : le dessin de la vue de l’abbaye Saint-Nicaise de Reims, daté 1675 et signé par dom François Vrayet, mauriste architecte actif dans le nord de la France ; celui de Saint-Père de Chartres, daté 1682 et signé par le frère Guillaume de la Tremblaye, exerçant quant à lui davantage en Normandie. Le premier intérêt à disposer de ces dessins est d’obtenir la date et la signature de l’auteur. En effet, pour une raison inconnue, certaines planches gravées du Monasticon ont conservé la date et/ou la signature du dessinateur, mais d’autres non. Ensuite, cela permet la comparaison entre le dessin et l’estampe. On constate ainsi la perte de la précision de certains détails lors du passage à la gravure. Enfin, plus largement, l’identification et la datation enrichissent notre compréhension des conditions de production de l’œuvre.

La redécouverte récente (2022) et l’acquisition par le département des Estampes et de la photographie d’un troisième dessin revêt donc une importance particulière, d’autant plus qu’il s’agit de la vue de la maison centrale des mauristes, Saint-Germain-des-Prés

Guillaume de la Tremblaye, Vue de Saint-Germain-des-Prés, 1687, dessin, BnF, Est, Réserve B-11 (A,13)-Ft 4

On connaissait jusqu’alors la vue gravée de l’abbaye parisienne, qui avait connu deux versions successives. Une première version[1], dessinée et gravée entre 1672 et 1687, présentait un défaut de perspective et fut remplacée. La construction de nouveaux bâtiments put également encourager le renouvellement de la représentation. 


Vue de l’abbaye de Saint-Germain-des-Prés, première version gravée, entre 1672 et 1687, BnF ms. lat. 11820

La seconde version fut donc dessinée en 1687 par le frère Guillaume de la Tremblaye, puis gravée.

Vue de l’abbaye Saint-Germain-des-Prés, seconde version gravée, BnF, Est, Smith-Lesouef S-2815

L’estampe comporte la date, mais pas la signature du religieux. La seconde vue de Saint-Germain-des-Prés vient donc s’ajouter aux estampes portant la signature du mauriste : Saint-Pierre de Jumièges (1678), Saint-Pierre de Préaux (1683), la Trinité de Vendôme (seconde version[2], 1683). La Tremblaye est le plus connu des architectes mauristes[3]. Né à Bernay en 1644, il fit profession dans la congrégation de Saint-Maur en 1669. A partir de 1675, il conçut et sculpta du mobilier liturgique dans plusieurs abbayes mauristes (Caen, Saint-Malo, Meaux). A partir de 1685, il dressa des plans de reconstruction pour des monastères de la congrégation (Le Mans, Bernay, Caen, Saint-Denis, Blois, Bayeux, Lessay, Saint-Benoît-sur-Loire, Aumale). Il décéda en 1715. Il s’agit donc d’un religieux architecte et sculpteur particulièrement actif, et suffisamment reconnu par ses confrères pour reprendre l’image de plusieurs abbayes dans le Monasticon, y compris celle de Saint-Germain-des-Prés.

La vue cavalière de Saint-Germain montre l’état de l’abbaye à la fin du XVIIe siècle. On distingue l’église abbatiale (n°3) dont les deux clochers du chœur sont encore en élévation (détruits à la Révolution) ; le vaisseau gothique du réfectoire (n°12, à partir de 1235), dont un remplage est encore visible dans le vestibule de l’immeuble du 16, rue de l’abbaye ; la chapelle de la Vierge (n°6, 1245-1255) de Pierre de Montreuil, dont le portail se trouve au musée de Cluny, et quelques vestiges dans le square Laurent Prache. Ces éléments montrent l’intérêt porté par les mauristes à la conservation des parties médiévales les plus significatives de leurs abbayes, leur réforme monastique moderne s’enracinant volontairement dans l’histoire. L’histoire architecturale de l’abbaye à la période moderne reste à faire, mais on peut relever encore le grand cloître d’ordre dorique dont quelques arcades subsistent au 13, rue de l’abbaye. De même, la vue du frère de la Tremblaye documente la partie orientale de l’enclos aux tours médiévales, dévolue à l’abbé commendataire, avant l’ouverture de la rue de Furstemberg et de la rue Cardinale entre 1697 et 1704. On voit aussi l’élévation du palais abbatial avant les modifications de Louis de Bourbon-Condé au milieu du XVIIIe siècle.

La vue de la Tremblaye reste néanmoins construite sur un point de fuite unique qui corrige volontiers les irrégularités du plan, et gomme par exemple la forme trapézoïdale du grand cloître. Elle répond aux exigences d’ordre et de clarté de l’architecture mauriste, dans une vue d’ensemble qui s’attarde volontiers au détail architectural. Le Monasticon Gallicanum voulait mettre en valeur l’œuvre de relèvement mauriste des monastères après les crises du XVIe siècle. Chacune à leur manière, les notices et les vues montraient comment la congrégation de Saint-Maur renouait avec la splendeur médiévale des abbayes françaises.

La redécouverte du dessin de Saint-Germain-des-Prés laisse espérer la réapparition d’autres dessins préparatoires au Monasticon et fournit un document supplémentaire pour l’histoire de l’abbaye parisienne.

L’acquisition de ce dessin par le département des Estampes et de la photographie a bénéficié du généreux soutien de la Société des Amis de la BnF

[1] « REGALIS ABBATIAE S[ANCTI] GERMANI A PRATIS TOPOGRAPHIA »

[2] « Cardinalis Abbatiae S.[anctis]S[im]ae Trinitatis Vindocinensis Topographia »

[3] Voir Thomas Homshaw, « Un moine mauriste sculpteur, décorateur et architecte : le frère Guillaume de la Tremblaye (1644-1715) », mémoire de maîtrise, Paris Sorbonne, dir. Claude Mignot, Centre André Chastel, 2002.


Journées d’étude Estampes et dessins de l’école de Fontainebleau. Production, diffusion, collection. Paris, 9-10 juin 2022

Le département des Estampes et de la photographie de la Bibliothèque nationale de France conserve un exceptionnel ensemble de gravures et de dessins de l’école de Fontainebleau. Son fonds d’estampes bellifontaines rassemble un millier d’épreuves produites à Fontainebleau entre 1542 et 1547. S’y ajoute une collection de dessins de premier plan, comprenant à la fois des œuvres des artistes actifs sur le chantier de Fontainebleau et des maîtres du XVIe siècle durablement influencés par ce foyer.


De novembre 2020 à novembre 2022, la BnF s’est engagée dans un vaste chantier de recherche et de valorisation de ce fonds de référence, grâce au mécénat de la Fondation Getty (
The Paper Project). Pour marquer l’aboutissement de ce programme, elle organise, en collaboration avec l’École nationale des chartes, les 9 et 10 juin 2022, des journées d’études appelées à réunir les chercheurs ainsi que les professionnels des musées et des bibliothèques pour présenter les dernières recherches sur la production graphique de l’école de Fontainebleau, sur les pratiques de collection de ces œuvres et sur la réception des motifs bellifontains en France et à l’étranger.

 

Estampes et dessins de l’école de Fontainebleau_programme

Estampes et dessins de l’école de Fontainebleau_affiche

Adresse :
École nationale des chartes, salle Delisle
65, rue de Richelieu 75002 Paris

Inscription obligatoire sur : https://fontainebleau.sciencesconf.org/

Acquisition d’un portrait de Nanteuil (mars 2017)

Le département des Estampes et de la Photographie a fait la préemption, à la vente Ader-Nordmann du vendredi 24 mars 2017, d’un portrait réalisé par Robert Nanteuil (lot 24).

Réserve B-6 (A)-BOITE ECU

Ce dessin, de très petites dimensions (9,4 x 7,2 cm) était destiné à illustrer le Vray théâtre d’honneur et de chevalerie (1648), important traité sur la noblesse, dont l’auteur, Marc Vulson de La Colombière, est le sujet du dessin.

Exécuté très finement à la pointe d’argent, il permet de documenter la pratique d’un des quatre grands graveurs mentionnés par Charles Perrault dans ses Hommes Illustres en 1700 : Robert Nanteuil (vers 1623-1678). Nanteuil représente la quintessence de la gravure au burin sous Louis XIV. Son œuvre de dessinateur – car il grave essentiellement d’après ses propres compositions – a récemment été mise en valeur dans un ouvrage d’Audrey Adamczak1 et réévalué comme celui d’un des pastellistes majeurs.

Ce dessin est très original dans l’œuvre de Nanteuil, car il est l’un des très rares dessins du maître à faire usage d’une autre technique que le pastel : il est tracé à la pointe d’argent. Il permet de documenter les débuts de la carrière de Nanteuil, encore jeune artiste – ce n’est d’ailleurs pas lui qui gravera l’estampe d’après ce dessin, mais son beau-frère Nicolas Regnesson. François Chauveau en ayant dessiné la composition d’ensemble.

Il s’agit aussi d’un des rares témoignages du travail de Nanteuil pour le monde du livre – il grave sinon essentiellement pour des estampes en feuille, et surtout des portraits destinés à des thèses. Au-delà de l’histoire de l’estampe et du dessin, le portrait documente la production d’un livre majeur pour l’histoire culturelle et des élites du XVIIe siècle.

Le département des Estampes et de la Photographie possède l’ensemble de l’œuvre gravé du maître, ainsi qu’un très beau portrait au pastel de Louis XIV, également préparatoire à la gravure.

Réserve B-11 (A)-boîte Ft-4

  1. Robert Nanteuil, ca. 1623-1678, Paris, Arthena, 2011 []

Le recueil de Documents sur l’histoire de France. 1614-1794 (Réserve Qb-3-fol.). Ballets royaux et costumes burlesques : une entrée dans le monde de la danse sous Louis XIII

Constitué par Charles-Marie Fevret de Fontette, puis acquis en 1772 (ou 1774) par le Cabinet des estampe1, ce recueil contient 91 pièces2, principalement des copies de dessins de Daniel Rabel3. Homme de loi, conseiller au Parlement de Dijon et bibliophile dijonnais, Fevret de Fontette était également un collectionneur et fin connaisseur des arts de son temps, qui possédait un cabinet d’histoire renommé. Le recueil s’insère dans une série de volumes intitulés Documents sur l’histoire de France. Ceux-ci ont été rassemblés Fevret de Fontette afin de servir de référents à la constitution d’une grande Histoire de France qu’il comptait léguer au roi. La plupart des dessins de ce tome concerne une période relativement courte, située entre 1614 et 1632. Ainsi, cet ensemble (finalement acquis par le Cabinet du Roi après sa mort en 1772) est d’un intérêt certain pour l’étude de la formation des collections ainsi que celle de l’essor de la danse et du ballet sous le règne de Louis XIII.

Le recueil contient les dessins relatifs à trois ballets commandés et dansés pour le roi Louis XIII, échelonnés de 1625 à 1632 : Les Fées des Forests de S. Germain, Ballet dansé par le Roy en la salle du Louvre, le (XIe) jour de Février 1625, à Paris, 1625 (29 dessins), le Ballet du Grand bal de la Douarière de Billebahaut, Ballet dansé par sa Majesté à Paris, la nuit du 24 au 25 février 1626 (34 dessins) et le Ballet du Château de Bicestre, dansé à Paris, la nuit du 7 au 8 mars 1632 (22 dessins). Lors de la constitution du volume, Fevret de Fontette a organisé les dessins en suivant l’ordre des entrées et la chronologie des trois ballets. Il leur a associé un cartouche calligraphié à la main où sont inscrites des précisions (en l’occurrence erronées) concernant le titre, la date et le lieu de chaque ballet. Cette écriture est identique à celle trouvée sur des pièces de la collection de François Fossard, musicien et garde de la bibliothèque de musique de Louis XIV, en collaboration avec André Danican Philidor. Fossard était également un collectionneur et a pu fournir ces informations recueillies par Fevret de Fontette. Enfin, le recueil inclut également deux estampes (les États généraux de 1614-1615, seconde et dernière séance du 23 février 1615, 1er état en préparation au trait d’une gravure représentant les états généraux de 1614-1615 et conservée dans le recueil Qb-1 année 1615-1616 (BnF RES ; MF-89062) et une estampe par François Chauveau) et de deux aquarelles révolutionnaires de Bericourt, insérées à la fin du volume. De ce fait, la composition même de ce recueil est précieuse pour l’étude de la constitution des collections conservées à la BnF.

L’ensemble des dessins d’après Daniel Rabel illustre parfaitement l’esprit de ce que l’on a appelé le « ballet burlesque ». Très en vogue à la cour, ces spectacles mêlaient plusieurs arts – danse, chant, musique, « théâtre », afin susciter un émerveillement en l’honneur du roi, Louis XIII. De fait, costumes, mise en scène et machineries regorgeaient d’ingéniosité et d’artifices pour arriver à cette fin et faire resplendir la cour du roi. Grâce à Fevret de Fontette, les dessins de costume qui nous sont parvenus permettent d’appréhender l’aspect de ces spectacles éphémères.

De belle dimensions (en moyenne 25 x 38,5 cm), chaque dessin offre une fenêtre pour appréhender ce mélange du politique et du spectacle. Les ballets étaient organisés en un nombre d’entrées qui s’inséraient dans une thématique globale. Chaque entrée répondait à ce sujet au moyen d’une « scène » où se mêlaient danse, pantomime, théâtre, jeu et la musique. Loin d’être des bouffonneries insensées, derrière la fantaisie et le raffinement chorégraphique, chaque ballet possédait une signification allégorique transposable au politique suivant le climat : désordres politiques (Ballet de Bicestre), ambitions expansionniste et politique (Grand Bal de la douairière de Billebahaut) ou de rivalités franco-espagnoles (Les Fées de la Forest de S. Germain) que connurent les années 1620 et 1630. Chaque dessin représente les costumes utilisés pour chacune des entrées.

Réalisés à la plume, à la gouache et à l’aquarelle sur papier, ces dessins sont moins raffinés, moins détaillés et comportent des changements de couleurs par rapport aux dessins originaux conservés au Musée du Louvre. Toutefois, la naïveté des dessins du recueil de Ballets de Louis XIII permet de cerner les éléments qui étaient primordiaux dans la compréhension et la mise en œuvre de ces ballets. Reflétant le goût de ces ballets pour les effets de ridicule et de grotesque et la mise en dérision, l’invention de ces habits reposait sur un savoir-faire unissant traditions iconographique et iconologique, art des emblèmes et contraste entre culture populaire et culture de cour. Les dessins des fées (par exemple de Guillemine La Quinteuse) dans Les Fées de la Forest de Saint Germain, des Récits présents dans chaque ballet ou encore du Roi Atabalipa et de la Douarière Billebahaut sont exemplaires : la dérision du personnage vient du contraste entre l’émerveillement provoqué par les habits et le grotesque de la disproportion du corps.

Costume pour la première partie du ballet "Les Fées des forêts de Saint-Germain", intitulée "Ballet de la Musique": Guillemine La Quinteuse, Atelier de Daniel Rabel, 1625, plume, gouache et aquarelle ; 24,5 x 36,4 cm
Costume pour la première partie du ballet “Les Fées des forêts de Saint-Germain”, intitulée “Ballet de la Musique”: Guillemine La Quinteuse, Atelier de Daniel Rabel, 1625, plume, gouache et aquarelle ; 24,5 x 36,4 cm

Les effets comiques et de dérision qui fondent le cœur du ballet s’associaient à des imaginaires foisonnants mis en œuvre par le vêtement : animaux (Entrée Des hibous et Des corneilles ), monstres (les Hofnaques et Hocricanes ou Sorcieres et monstres du Ballet de Bicestre), exotisme fantasmé (Entrée Des Egiptiens et Egiptiennes du Ballet Du chasteau de Bicestre, Seconde entrée Du grand Can), jeu (Le jeu du Regnard et des Poulles et Lacquais et Bertrandz jouant au tour-niquet) ou encore fantômes et esprits (comme les Entrées des Fantosmes du Ballet Du chasteau de Bicestre).

Costumes pour la deuxième partie du ballet "Les Fées des forêts de Saint-Germain", intitulée "Ballet du Jeu" : Lacquais et Bertrandz jouant au tourniquet, Atelier de Daniel Rabel, 1625, plume, gouache et aquarelle ; 24,7 x 38,5 cm
Costumes pour la deuxième partie du ballet “Les Fées des forêts de Saint-Germain”, intitulée “Ballet du Jeu” : Lacquais et Bertrandz jouant au tourniquet, Atelier de Daniel Rabel, 1625, plume, gouache et aquarelle ; 24,7 x 38,5 cm

Et la vivacité des couleurs permet de se rendre compte du foisonnement coloré de ces spectacles. Derrière ces dessins, l’ingéniosité des artisans de ces représentations se ressent. Ainsi des Demy Foux à l’habit mi-sage mi-fou, des Androgines et des Fantasques à l’habit « à tonnelet » ou encore des Bilboquets et des Vaillans Combattans : tant dans l’inventivité que la faisabilité ou l’inscription dans l’argument, forme, couleurs et gestuelle conservent une trace de ces festivités. Et si ils permettent de ramener ces parures à un statut de vêtement, ils n’empêchent pas de rêver sur l’aspect que pouvait avoir ces parures éphémères aux éclats de diamant.

 

Costumes pour la quatrième partie du ballet "Les Fées des forêts de Saint-Germain", intitulée "Ballet de la Guerre : Entrée Des Vaillans combattants, Atelier de Daniel Rabel, 1625, plume, gouache et aquarelle ; 25,9 x 41,3 cm
Costumes pour la quatrième partie du ballet “Les Fées des forêts de Saint-Germain”, intitulée “Ballet de la Guerre : Entrée Des Vaillans combattants, Atelier de Daniel Rabel, 1625, plume, gouache et aquarelle ; 25,9 x 41,3 cm

Grand Bal de la douairière de Billebahaut, Ballets de l'Amérique: Entrée Des Androgines, Atelier de Daniel Rabel, 1626, plume, gouache et aquarelle ; 23,5 x 39,1 cm
Grand Bal de la douairière de Billebahaut, Ballets de l’Amérique: Entrée Des Androgines, Atelier de Daniel Rabel, 1626, plume, gouache et aquarelle ; 23,5 x 39,1 cm

 

 

 

Tel était d’ailleurs le but de ces représentations, inventées et offertes au roi par ses gentilhommes, dansées par le roi et ses familiers accompagnés de professionnels dans des lieux bien réels (la grande salle du Louvre) : recréer un monde par l’illusion. Certains dessins soulignent ce statut de représentation et le rapport attendu de ce réel théâtral au réel quotidien : le dessin de Entrée De l’hoste, De l’hostesse et Leur Valet du Ballet Du chasteau de Bicestre comporte un décor identique à « un fond de rideau »,

Costumes pour la première partie du "Ballet Du chasteau de Bicestre", intitulée "Le Jour": Entrée De l'hoste, De l'hostesse et Leur Valet, Atelier de Daniel Rabel, 1632, plume, gouache et aquarelle ; 24 x 40,6 cm
Costumes pour la première partie du “Ballet Du chasteau de Bicestre”, intitulée “Le Jour”: Entrée De l’hoste, De l’hostesse et Leur Valet, Atelier de Daniel Rabel, 1632, plume, gouache et aquarelle ; 24 x 40,6 cm

tandis que dans chaque ballet, les dessins du « Grand Ballet », dansé par les danseurs de la cour, le roi Louis XIII et ses seigneurs, en costume d’apothéose, et de la « Musique du Grand Ballet » avec les violons du Roi mettent en image la composante musicale des ballets.

Atelier de Daniel Rabel, Grand Ballet final du Ballet Du chasteau de Bicestre, 2e partie La Nuit, 1632, plume, gouache et aquarelle ; 25,2 x 40,7 cm
Atelier de Daniel Rabel, Grand Ballet final du Ballet Du chasteau de Bicestre, 2e partie La Nuit, 1632, plume, gouache et aquarelle ; 25,2 x 40,7 cm

Costumes pour la deuxième partie du "Ballet Du chasteau de Bicestre", intitulée "La Nuit" : Musique Servant de recit au grand ballet, Atelier de Daniel Rabel, 1632, plume, gouache et aquarelle ; 23,7 x 40,5 cm
Costumes pour la deuxième partie du “Ballet Du chasteau de Bicestre”, intitulée “La Nuit” : Musique Servant de recit au grand ballet, Atelier de Daniel Rabel, 1632, plume, gouache et aquarelle ; 23,7 x 40,5 cm

 

S’il y a une certaine naïveté dans ces dessins, le recueil des Ballets de Louis XIII garde un intérêt primordial pour l’étude comparative des dessins illustrant ces spectacles et pour l’étude approfondie du fonctionnement d’un atelier de costumiers et faiseurs de théâtre tel que celui de Daniel Rabel, ingénieur ordinaire du roi. Outre l’univers de l’atelier, en regardant ces dessins d’une incroyable fraicheur, se recréent devant nos yeux émerveillés ces ballets burlesques dont on entendrait presque résonner la musique des violons.

Bibliographie :

  • Les Fées des forêts de Saint-Germain, 1625 : un ballet royal de “bouffonesque humeur” / édité par Thomas Leconte, 2012
  • La danse comme texte : idéologies du corps baroque / Mark Franko, 2005
  • Ballets burlesques pour Louis XIII : danse et jeux de transgression, 1622-1638 / textes présentés et annotés par Marie-Claude Canova-Green et Claudine Nédelec, 2012

 

  1. Voir le Catalogue chronologique de la collection de Fevret de Fontette, 1770 (Réserve Ye-28-Pet Fol), fol.103 []
  2. Numéros Bouchot : 276 à 330 []
  3. Daniel Rabel (1578 ?- 1637) était un peintre, dessinateur, miniaturiste et graveur. Il fut notamment ingénieur ordinaire du roi Louis XIII. Les dessins sont conservés dans un album, au Département des Arts graphiques du Musée du Louvre (Collection Rothschild). []

Salon de l’estampe 2015 : Les Soucis du peintre, dessin de Marcus Gheeraerts l’Ancien

Marcus Gheeraerts l’Ancien. (Bruges, vers 1520-Angleterre, 1586/1604)
Les Soucis du peintre
1577
Plume et lavis sur papier, avec des rehauts de gouache blanche, sur fond rose
Paris, BNF, Estampes, Réserve B-12-boite fol

 

Marcus Gheeraerts l'Ancien, Les Soucis du peintre
Marcus Gheeraerts l’Ancien, Les Soucis du peintre

Peintre, dessinateur et graveur flamand, Marcus Gheeraerts l’Ancien fut reçu maître dans la corporation des peintres de Bruges en 1558 avant d’émigrer quelques années en Angleterre. Il laissa un certain nombre de dessins et d’eaux-fortes, notamment d’ornements et d’animaux.

Dans cette composition allégorique et satirique, qui mêle les détails réalistes de la vie quotidienne aux éléments irréels de la mythologie, Marcus Gheeraerts évoque les soucis d’un peintre vivant dans des conditions matérielles précaires, comme l’indique l’inscription située dans la partie inférieure du dessin, empruntée aux Satires de Juvénal, poète latin du début du IIe siècle : “Haud facile emergunt quorum virtutibus obstat res angusta domi” : « Ils ont du mal à réussir ceux dont le talent est gêné par la pauvreté domestique » (satire III, vers 164-165).

L’artiste, assis devant son chevalet, est en train de peindre une figure féminine dont le modèle pose sur la gauche de la composition. La tête inclinée, appuyée sur la main, elle semble dormir dans la posture de l’ange de la Mélancolie de Dürer, allégorie de l’imagination et des dons créatifs pour les arts du dessin et de la peinture ; accompagnée d’attributs – un livre, un compas, une mappemonde et un instrument de musique à cordes posé sur la table – qui évoquent les arts libéraux. Le peintre tourne la tête, l’air soucieux, vers sa famille représentée sur la droite : son épouse qui lui tient le bras gauche en allaitant un bébé, sa mère ou sa belle-mère, qui pose la main sur son épaule, et ses trois autres enfants en bas âge qui jouent ou apprennent à marcher. On aperçoit, dans une arrière-salle sur la droite, un domestique occupé à broyer des pigments pour préparer les couleurs. Ainsi distrait de son travail, l’artiste délaisse sa palette et son modèle.

Des personnages mythologiques tentent d’attirer l’attention du peintre sur son art : Cupidon, sous les traits d’un putto ailé lui tend son appui-main, Mercure, dieu de artistes, saisissant le tableau, touche la tête du peintre avec son caducée pour qu’il se remette au travail, et Saturne ailé lui rappelle que le temps passe… Le chevalet sépare nettement la composition en deux, entre les éléments allégoriques relatifs à la création d’un côté et les détails réalistes de l’autre. Marcus Gheeraerts, qui eut six enfants, trois de sa première épouse et trois de la seconde, et qui vit ses biens confisqués à cause de son adhésion au calvinisme, fait-il ici allusion à sa propre condition sociale difficile ?

Bibliographie : Jocelyn Bouquillard dans Dessins de la Renaissance. Collection de la Bibliothèque nationale de France, Département des estampes et de la photographie, exposition Barcelone (Fundació Caixa de Catalunya), Paris (BnF), 2003-2004, notice n° 14.

Nota :  Ce billet constitue le cartel de l’oeuvre présentée sur le stand de la BnF au Salon international de l’estampe de Paris (Grand Palais) en avril 2015.

Présentation de dessins anciens de la BnF à l’occasion du Salon du dessin 2012

Comme chaque année le département des Estampes et de la Photographie s’associe au Salon du dessin , qui se tiendra à la Bourse du 28 mars au 2 avril 2012 en organisant une présentation de dessins de ses collections à la Réserve du département le samedi 31 mars 2012. 

Nicolas Larmessin (1632 - 1694) Figure pour L'Habit de médecin, H. 25,5 x L. 18,4 cm. Dessin repassé à la pointe. Bibliothèque nationale de France, département des Estampes, Réserve B 6 e boîte in-fol.

la gravure en contrepartie publiée A Paris chez N. de L'Armessin Rüe St Jacques à la Pome d'or, Auec Priuil. Du. Roy. Bibliothèque nationale de France, département des Estampes, OA-32-pet.fol

 Le choix des œuvres illustrera le thème choisi pour les journées d’études organisées par le Salon, les VIIes Rencontres internationales du Salon du dessin à la Bourse le mercredi 28 mars à 15H et  le jeudi 29 mars à 14H30 : DESSINER POUR GRAVER, organisées par Dominique Cordellier.

Dessins à graver au XVIIe siècle, BnF, département des Estampes et de la Photographie

Le dessin préparatoire pour une estampe a non seulement constitué un des axes d’acquisition du département mais s’est aussi trouvé inclus de manière naturelle aux recueils d’estampes. Le département est donc particulièrement riche de dessins de graveurs et de dessins qui ne sont pas dus à des graveurs mais sont destinés à être traduits en estampe ; les œuvres choisies couvrent le Grand Siècle et permettent, en sortant des chemins plus connus de la peinture d’histoire, d’avoir une vision plus complète du XVIIe siècle.

Les études rapides et légères des aquafortistes Jacques Callot, Jean de Saint-Igny, Pierre Brebiette, Nicolas Cochin le vieux côtoieront les dessins de peintres, comme celui de Jeanne d’Arc, à la sanguine, par Claude Vignon, gravé avec talent par Gilles Rousselet.

Le département conserve en outre quelques rares exemples de dessins de graveurs qui sont souvent aussi éditeurs ou marchands d’estampes comme Claude Massé qui a œuvré, aux côtés des frères Corneille, au fameux recueil Jabach, Nicolas Regnesson, Le Sacre de Louis XIV, Nicolas Ier Larmessin, Habit de Médecin (voir images ci-dessus), Martin Desmaretz, Une reine, Nicolas Habert, Le prince et la princesse de Conti.

Comme l’estampe le dessin destiné à la gravure touche à tous les registres : les études à la pierre noire du jeune Charles Le Brun pour des gravures célébrant la naissance de Louis XIV, les dessins pour les estampes satiriques où l’Espagnol est moqué (conservées dans la série dédiée à l’histoire, QB-1), les dessins illustrant l’actualité pour des almanachs, ceux de Nicolas Arnoult et de la famille Bonnart spécialisés dans la figure de mode sont autant d’exemples de la variété de la création tout au long du siècle.

Un cas intéressant de dessin préparatoire pour une gravure en rapport avec la cérémonie funèbre du chancelier Pierre Séguier organisée en mai 1672 à l’église des pères de l’Oratoire à Paris posera le problème du partage des tâches entre peintre (Charles Le Brun), dessinateur (François Verdier ?) et graveur (Girard Audran) et de la difficulté d’attribution qui en découle.

Samedi 31 mars 2012, deux visites au choix (10h-11h et 11h15-12h15). Bibliothèque nationale de France, 5 rue Vivienne, 75002 Paris. Réserve du département des Estampes et de la Photographie, entrée par la Chambre Mazarin.

Inscriptions obligatoires auprès du Salon du dessin 01 45 22 08 77 ou 01 45 22 61 05

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