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Auteur/autrice : Pauline Chougnet

A propos d’une série de dessins de Serafino Macchiati, illustrateur et interprète de la vie parisienne

Par Lucia Germani

Dans le cadre d’un échange Erasmus entre l’Université de Roma Tre et l’École du Louvre pendant ma deuxième année de Master en Histoire de l’art avec une spécialité en Histoire du dessin, j’ai eu l’occasion d’effectuer un stage au sein du Département des Estampes et de la photographie de la BnF. J’ai réalisé un récolement des dessins italiens conservés dans les collections du département, en découvrant en même temps la multiplicité des missions d’un conservateur de dessins.

Le Département des Estampes et de la photographie conserve une série de 23 dessins à l’aquarelle et au lavis d’encre sur carton rosé, réalisés par le peintre et illustrateur italien Serafino Macchiati (Camerino, 1861 – Paris, 1916).

Entrés dans les collections de la Bibliothèque Nationale en 1962 à la suite d’une acquisition auprès de la galerie Prouté, les dessins de différents formats présent un montage uniforme sur un papier bleu-vert clair.

Serafino Macchiati,
Dessins préparatoires aux illustrations pour le roman Le Scorpion de Marcel Prévost,
avant 1903, aquarelle, lavis d’encre et gouache sur carton rosé
Paris, BnF, Département des Estampes et de la photographie, Réserve B-25 (3) – Boîte fol

À l’exception d’une feuille, tous les dessins de la série sont préparatoires aux illustrations du roman Le Scorpion de Marcel Prévost (Paris, 1862 – Vianne, 1941), publié par Alphonse Lemerre en 1903[1].

Frontispice du roman de Marcel Prévost, Le Scorpion, illustré par Serafino Macchiati.

Biographie de l’artiste 

Società di belle arti. Arte italiana del XIX e XX secolo ©

Né à Camerino le 17 janvier 1861, le jeune Serafino suit sa famille dans ses nombreux déplacements à travers l’Italie centrale et la Campanie, jusqu’à son installation à Rome en 1880[2].

En 1883, une œuvre de l’artiste est exposée à l’Esposizione di Belle Arti de la Capitale[3]. Dans les années suivantes, il fréquente un milieu intellectuel vivant, animé, entre autres, par les artistes Giacomo Balla ( Turin, 1861 – Rome, 1958) et Umberto Boccioni (Reggio de Calabre, 1882 – Vérone, 1916). Ses premières oeuvres picturales attirent l’attention et l’admiration du peintre et critique d’art milanais Vittore Grubicy de Dragon (Milan, 1851 – ivi, 1920), avec lequel Serafino signe un contrat d’engagement.

Après sa rupture avec Vittore Grubicy, Serafino réalise des illustrations pour les romans publiés par l’éditeur Treves et, de 1892 à 1896, il entretient une collaboration fructueuse avec la rédaction de la Tribuna Illustrata, en fournissant à la revue une cinquantaine de dessins[4]. L’écho de sa créativité et de son talent arrivent jusqu’à Paris, où l’artiste s’installe en 1899, appelé par le célèbre éditeur Alphonse Lemerre qui lui commande des illustrations pour une série de romans de Paul Bourget.

Installé définitivement à Paris, il travaille aussi avec d’autres éditeurs comme Arthème Fayard et Pierre Lafitte et, à partir de 1902, ses illustrations figurent dans les pages du Figaro Illustré. En 1902, il participe pour la première fois au Salon des Artistes Français, en proposant onze dessins pour l’illustration d’un «Conte fantastique »[5]. De 1905 jusqu’à sa mort en 1916, il devient le principal illustrateur du périodique Je sais tout [6].

Bien que sa notoriété et son talent soient désormais largement reconnus en France, l’artiste ne renonce pas à des collaborations italiennes : en 1902-1903, il participe à une réédition illustrée de la Divina Commedia de Dante Alighieri, publiée par les Frères Alinari à Florence. En 1907, certaines de ses œuvres sont exposées à l’occasion de la Biennale de Venise et, l’année suivante, il fait partie du groupe d’artistes sélectionnés pour la Prima Biennale d’Arte Romagnola. Serafino Macchiati meurt à Paris le 12 décembre 1916. En 1922, la Biennale de Venise lui consacre une salle personnelle avec 32 œuvres.

Les dessins de Serafino Macchiati au Département des Estampes et de la photographie

Inspiré par les tableaux et les illustrations de Giovanni Boldini (Ferrare, 1842 – Paris, 1931), et Giuseppe De Nittis (Barletta, 1946 – Saint-Germain-en-Laye, 1884), comme lui, émigrés en France, mais aussi par des artistes français contemporains comme Edgar Degas (Paris, 1834- 1917) ou Claude Monet (Paris, 1840 – Giverny, 1926), Serafino Macchiati se fait l’interprète de nouveautés introduites par l’impressionnisme  dans le choix des sujets et l’emploi des couleurs.

L’importante série de dessins conservée à la Bibliothèque Nationale n’est pas le seul corpus conservé dans les musées parisiens. En 1916, après la mort de l’artiste, certaines de ses œuvres rejoignent par legs les collections du Musée du Luxembourg, réparties en 1937 dans différentes institutions muséales parisiennes qui conservent encore certains de ces tableaux, comme les Arbres en fleurs, aujourd’hui au Musée d’Orsay.

Serafino Macchiati,
Arbres en fleurs,
entre 1860 et 1916, huile sur toile, 46,5 x 55,0 cm.,
Don Serafino Macchiati, 1916, ©RMN-Grand Palais (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski.

Dans une lettre de 1889 à Vittore Grubicy, l’artiste partage ses réflexions sur sa recherche picturale, en s’interrogeant sur le rôle des couleurs et de la lumière dans la pratique artistique :  

Divenire padroni della luce ed allora si verrà inconsciamente – se ne avrete l’animo – a comprendere – od esprimere – il sentimento delle cose [7].

Devenir maîtres de la lumière et alors vous pourrez parvenir inconsciemment – si vous en avez l’esprit – à comprendre – ou à exprimer – le sentiment des choses

Serafino Macchiati n’abandonna pas non plus ses recherches autour des traitements de la lumière dans son travail d’illustrateur. En observant ses dessins conservés aujourd’hui à la Bibliothèque Nationale, il apparaît clairement que son intérêt pour l’impression vive et lumineuse de l’atmosphère, ainsi que pour le changement de ses dégradés aux différents moments de la journée, demeure cruciale.

Serafino Macchiati,
Dessin préparatoire à une illustration du roman Le Scorpion de Marcel Prévost,
avant 1903, aquarelle, lavis d’encre et gouache sur carton rosé
Paris, BnF, Département des Estampes et de la Photographie, Réserve B-25 (3)-boîte fol
Une page du roman Le Scorpion de Marcel Prévost, avec l’illustration de Serafino Macchiati

Les taches de couleurs délicates et les nuances gracieuses participent vivement à cette expérience de suspension émotionnelle, qui évoque les sentiments et les impressions psychologiques des personnages racontés par Marcel Prévost.

Malheureusement disparue à cause de la reproduction photomécanique en noir et blanc dans les pages du romans, la palette de couleurs employée par l’artiste dans ses dessins préparatoires témoigne encore aujourd’hui sa forte volonté de donner une voix plus claire aux émotions vécues par les protagonistes du roman.

Fasciné par la représentation claire et spontanée des états psychologiques, il accorde une attention particulière à la recherche des expressions des visages et des corps dans leur singularité, sans jamais tomber dans le piège du pathétisme.

Dans l’espace étroit d’une illustration, les paysages de la vie moderne sont eux aussi protagonistes : le traitement des tout-petits détails, ainsi que l’usage de la couleur permettent ce que Vittorio Pica (Naples, 1862 – Milan, 1930) a défini comme une « vision délicate de la vie contemporaine, considérée dans ses aspects gracieux, élégants et intimes »[8].

Son talent décoratif se retrouve aussi dans les vignettes, presque banales à première vue, insérés par Serafino en fin de chapitres : la fumée subtile de la bougie et la boite d’allumettes encore ouverte racontent une poésie des objets quotidiens.

La redécouverte de l’œuvre peinte et illustrée de Serafino Macchiati, oubliée et ignorée pendant longtemps en Italie, a fait l’objet d’études et de recherches menées par ses descendants, Willy Macchiati et Silvana Frezza Macchiati. Le site web http://www.serafinomacchiati.com/home_ita.html constitue une source importante pour la connaissance de la vie de l’artiste et de son activité.

Les dessins de Serafino Macchiati, aujourd’hui conservés à la Bibliothèque Nationale, sont aisément consultables dans la salle de la Réserve du Département des Estampes. Leur redécouverte constitue une rare opportunité pas seulement pour les chercheurs intéressés par l’œuvre illustrée de l’artiste, mais aussi pour tous les amateurs qui souhaitent retrouver le plaisir d’une lecture soigneusement illustrée.

Bibliographie

IV Esposizione Internazionale d’Arte della Città di Venezia. Catalogo Illustrato, Venezia, Premiato Stabilimento C. Ferrari, p. 168.

AVI, M., « A Parigi tutt’altro che sprovveduto », in Il Giornale dell’Arte, n° 234, juillet – août 2004, p. 16.

BERNARDI, M., « La rivalutazione di un impressionista », in La Stampa Sera, n °83, 13 avril 1971.

DE GRADA, R., MACCHIATI FREZZA S., Serafino Macchiati : illustratore, Turin, U. Allemandi, 2003.

DE GRADA, R., MACCHIATI FREZZA S., Serafino Macchiati : pittore, Turin, U. Allemandi, 2003.

DRAGONE A., « Un pittore che divenne celebre illustrando romanzi e periodici », in La Stampa Sera, n° 83, 13 avril 1971.

PREVOST, M., Le Scorpion, Paris, A. Lemerre, 1903.

VINARDI, M., « Pacchi di colori e fogli da cento lire. Vittore Grubicy a Serafino Macchiati », in L’immagine tra materiale e virtuale. Contributi in onore di Silvia Bordini, sous la dir. De F. Gallo et C. Zambianchi, Rome, Campisano, 2013, pp. 1-14.

Sitographie

http://www.serafinomacchiati.com/archivio_opere.html

https://www.musee-orsay.fr/fr/oeuvres/arbres-en-fleurs-21409

https://salons.musee-orsay.fr/index/salons

https://lanouvelleathenes.fr/serafino-macchiati-1861-1916/

[1] La Bibliothèque Nationale conserve un exemplaire du roman de Marcel Prévost. Pour la notice dans le catalogue général, voir http://ark.bnf.fr/ark:/12148/cb44001554k

[2] PICA, V., « Les jeunes illustrateurs italiens : Serafino Macchiati », in DE GRADA, R., MACCHIATI FREZZA, S., Serafino Macchiati : illustratore, Turin, Allemandi, 2003, p. 115. L’article, ici traduit en français, a été originairement publié dans le périodique Emporium, Bergame, Istituto Italiano di Arti Grafiche, série II, P. 192-210.

[3] VINARDI, M., « Pacchi di colori e fogli da centro lire. Vittore Gubricy a Serafino Macchiati », dans  L’immagine tra materiale e virtuale. Contributi in onore di Silvia Bordini, sous la dir. De F. Gallo et C. Zembianchi, Rome, Campisano, 2013, p. 1.

[4] PICA, V., op cit., p. 116.

[5] Pour connaitre toutes les participations de Serafino Macchiati au Salon des Artistes Français, voir https://salons.musee-orsay.fr/index/salons

[6] DE GRADA, R., « Macchiati illustrateur », in Serafino Macchiati Illustratore, sous la dir. de R. De Grada et S. Frezza Macchiati, Turin, Allemandi, 2003, p. 113.

[7] Certains extraits de la correspondance entre Serafino Macchiati et Vittore Grubicy ont été publiés dans VINARDI, M.,  « Pacchi di colori e fogli da centro lire. Vittore Gubricy a Serafino Macchiati », dans  L’immagine tra materiale e virtuale. Contributi in onore di Silvia Bordini, sous la dir. De F. Gallo et C. Zembianchi, Rome, Campisano, 2013, pp. 1-14. Les lettres sont aujourd’hui conservées au Musée d’Art Moderne et Contemporain de Trente et Rovereto (MART), dans le fond Grubicy (GRU), MART, GRU. I.1.1.556 (1889).

[8] PICA, V., op. cit., p. 115.

Pauline Chougnet

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Les dessins italiens de la Bibliothèque Nationale : une immersion dans les collections du Département des Estampes et de la Photographie 

Par Lucia Germani

Dans le cadre d’un échange Erasmus entre l’Université de Roma Tre et l’École du Louvre pendant ma deuxième année de Master en Histoire de l’art avec une spécialité en Histoire du dessin, j’ai eu l’occasion d’effectuer un stage au sein du Département des Estampes et de la photographie de la BnF. J’ai réalisé un récolement des dessins italiens conservés dans les collections du département, en découvrant en même temps la multiplicité des missions d’un conservateur de dessins.

Parmi les près de 200 000 feuilles du XVe au XXIe siècle conservées dans les collections de la Bibliothèque Nationale, les chercheurs intéressés par le dessin italien ne seront pas déçus. De l’école florentine du XVe siècle, en passant par les plus célèbres oeuvres du XVIe et du XVIIe siècles déjà montrées à l’occasion de l’exposition « Dessins de la Renaissance. Collection de la Bibliothèque Nationale de France »[1], jusqu’aux dessins de Giuseppe Penone [2], la collection de l’école italienne présente des dessins d’artistes, des études d’après nature, des dessins préparatoires et des modèles. Elle se compose d’environ 450 feuilles employant une grande variété de techniques.

Avec une majorité d’œuvres datées des XVIe-XVIIIe siècles, les écoles vénitienne, bolonaise, florentine et romaine sont amplement représentées grâce aux dessins de Palma le Jeune, Paolo Farinati, Giambattista Tiepolo, Denys Calvaert, Simone Cantarini, Baccio Bandinelli, Stefano della Bella, Francesco Salviati, Giorgio Vasari, des frères Taddeo et Federico Zuccari, Pier Leone Ghezzi et Giovanni Battista Piranèse. Dans la collection, nous retrouvons aussi de nombreuses copies anciennes de maîtres, dont l’attribution reste un chapitre encore ouvert.

Ce texte vise à fournir des conseils et un accompagnement aux chercheuses et aux chercheurs, aux amateurs et aux curieux, qui souhaitent entreprendre des recherches consacrées aux dessins italiens dans les collections du Département des Estampes et de la Photographie.

Le classement

Les collections du département des Estampes et de la photographie présentent encore aujourd’hui un cadre de classement alphabétique, tel qu’il a été conçu, suivi de modifications ultérieures, à partir du milieu du XVIIIe siècle[3]. En 1895, Henri Bouchot, bibliothécaire puis conservateur au Cabinet des Estampes, publie un Guide du lecteur et du visiteur du Cabinet des Estampes de la Bibliothèque Nationale. Bien que les collections et leurs instruments de recherche aient été considérablement enrichis et modifiés au cours des années, le texte d’Henri Bouchot joue toujours un rôle fondamental pour guider et orienter les chercheurs accueillis au département des Estampes.

Dans ce cadre de classement la majorité des dessins italiens sont classés sous la cote B et, plus particulièrement, sous la cote B-3. Les magasins de la Réserve conservent les plus belles feuilles de cette collection de dessins italiens.

Parmi ceux-ci, le Jeune homme nu debout vu de face d’Aurelio Luini, qu’il sera bientôt possible de voir dans les salles du musée de la BnF (Richelieu, galerie de Mazarin) à partir du 18 mai 2023 et la Construction d’une porte de la ville de Mantoue de la main de Lorenzo Costa constituent deux des feuilles les plus emblématiques de cette collection.

Aurelio Luini,
Jeune homme nu debout de face, vers 1550
Plume et encre brune, sur un tracé à la pierre noire. Mise au carreau à la pierre noire. 37,7 x 19,5 cm
Paris, BnF, Département des Estampes, Réserve B-3 (C,4) – BOÎTE ÉCU.
Lorenzo Costa,
Construction d’une porte de la ville de Mantoue, vers 1556-1575
Pierre noire, plume et encre brune, lavis brun, 26,4 x 31 cm
Paris, BnF, Département des Estampes, Réserve B-3 (C,2) – BOÎTE ÉCU.

Signée et datée « Pompée Battoni, 1761 »,  la magnifique Académie de Pompeo Batoni (Lucques 1708 – Rome 1787), est un des chefs-d’œuvre de la collection des dessins italiens du XVIIIe siècle.

Pompeo Batoni,
Académie
1761
Pierre noire sur papier bleu
Paris, BnF, Département des Estampes et de la Photographie, Réserve B-11 (A,3) – BOITE FT4

Certains dessins peuvent être conservés dans des volumes contenant aussi des pièces gravées du même auteur :  le recueil consacré à l’œuvre de Paolo Farinati (Vérone, vers 1524- ivi, 1606), en plus de certaines pièces faisant partie de la production gravée de l’artiste véronais, contient aussi une série de dessins à l’encre brune et rehauts de gouache sur un papier préparé. Il s’agit d’une série de huit dessins, dont sept copies d’après des dessins originaux de Paolo Farinati représentant des épisodes de la vie d’Esther et Assuérus et une feuille autographe. Préparatoires à une frise réalisée par l’artiste pour la décoration du Palais Conti della Torre à Vérone après 1560, les dessins sont aussi accompagnés au recto par des descriptions narratives des scènes peintes[4].

Six dessins provenant du recueil consacré à l’œuvre de Paolo Farinati, BC-12 (B)-FOL

L’œuvre d’un même artiste peut être aussi répartie entre plusieurs cotes : il en est ainsi des œuvres  de la main de Stefano della Bella (Florence, 1610 – ivi, 1664). Une feuille de Rébus est conservée sous la cote B, dans la série des dessins italiens, (mais d’autres dessins de sa main, comme la Vue du Louvre et de la Tour de Nesles et la composition avec La Mort emportant un enfant et deux projets de cartouches présentent un classement différent (cote Réserve VE-53-FOL). Ces feuilles font partie de la collection consacrée à l’histoire et à la topographie parisienne constituée par l’architecte Hippolyte Destailleur (Paris, 1822-ivi, 1893), dont il proposa l’acquisition, à la fin de sa vie, à la Bibliothèque nationale. Désireux de respecter l’intégrité de cet ensemble exceptionnel de plusieurs milliers de dessins, les conservateurs du département des Estampes ont décidé de ne pas disperser les feuilles, en gardant les volumes assemblés par le collectionneur.

Stefano della Bella,
Rébus
Encre brune, 22,7 x 15,7 cm et 15,2 x 10,7 cm
Paris, Bnf, Département des Estampes et de la photographie, Réserve B-3 (C,2) – BOÎTE ÉCU
Stefano della Bella,
La Mort emportant un enfant et deux projets de cartouches
Plume et encre brune, lavis gris, pierre noir et sanguine 16,7 x 27 cm
Paris, BnF, Département des Estampes et de la photographie, Réserve VE-53 (E)-FOL, Destailleur Paris, t. 3, 391
Stefano della Bella,
Vue du Louvre et de la Tour de Nesles
Lavis à l’encre noire, 17,3 x 35 cm
Paris, BnF, Département des Estampes et de la photographie, Réserve VE-53 (G)-FOL, Destailleur Paris, t. 5, 760

Dès la création du cabinet des Estampes, les dessins étaient classés par école et par artiste mais aussi par sujet ou série thématique, comme la Sculpture (F), l’Antiquité (G), les Portraits (N) ou la Topographie (V). La lettre H renvoie quant à elle à la série consacrée à l’Architecture, où sont classées  les 178 études à la plume de Giovanni Battista Montano (Milan, 1534 – Rome, 1621), très beaux dessins d’architecture italienne [5].

Trois dessins au lavis de bistre issus du Recueil de dessins d’architecture par Giovanni Battista Montano,  Réserve HB-22-4

Retracer la provenance des dessins

À partir du début du XXe siècle, les dessins et les estampes entrés dans les collections de la Bibliothèque Nationale à la suite d’un don ou d’une acquisition portent fréquemment des marques, dont nous pouvons voir un exemple dans l’image ci-dessous. 

 
Paolo Farinati
Episodes de l’histoire d’Esther pour la frise décorant le palais Conti della Torre à Vérone (détail)
après 1560
Encre brune sur papier préparé
Paris, BnF, Département des Estampes et de la photographie
BC-12 (B)-FOL

Le détail d’un du dessin de Paolo Farinati présente un cachet apposé dans le coin gauche de la feuille (D. 2285), qui correspond à un don fait par Gustave Lebel en 1923.

Les marques des dons et des acquisitions sont toujours apposés dans les coins inférieurs de la feuille : ils se composent d’une lettre (D ou A) suivie d’un numéro [6]. Leurs mentions se trouvent dans des registres rédigés par les conservateurs du département des Estampes.  

L. 59a
Le cachet est en usage au Cabinet des Estampes à partir de 1913 environ
L. 711c
Le cachet est en usage au Cabinet des Estampes à partir de1913 environ

Si les pages de ces registres peuvent contenir des descriptions à la pièce de certaines oeuvres, un grand nombre de dessins italiens proviennent aussi des immenses transferts d’autres illustres institutions parisiennes. C’est le cas des œuvres portant les estampilles de la Bibliothèque Sainte Geneviève et de la Bibliothèque Mazarine : entre 1861 et 1863, 9000 dessins et estampes provenant de ces institutions ont été transférés au Cabinet des Estampes.  Si la grande majorité des dessins de la Bibliothèque Sainte-Geneviève a été dispersée dans les collections de dessins, sous diverses cotes, un ensemble de dessins italiens provenant de cette bibliothèque a été conservé sous la cote Réserve B-29 (2)-Boîte fol [7]

Ces transferts vers la Bibliothèque impériale n’ont pas été documentés par des listes détaillées: c’est pour cette raison que la possibilité d’obtenir des informations précises sur l’identité et l’histoire de ces dessins demeure complexe. Ces œuvres portent toujours les estampilles qui témoignent donc de leur précédente provenance. Parallèlement, l’évolution des estampilles de propriété du Département des Estampes permet aussi d’établir la date d’entrée dans les collections.

Pour toutes ces informations, la consultation du répertoire des Marques de collections de dessins & d’estampes, rédigé par Frits Lugt, et aujourd’hui disponible en ligne grâce à une campagne de numérisation menée par  Fondation Custodia constitue un instrument fondamental[8].

Le catalogue général de la BnF et la banque d’images

C’est dans le catalogue général de la BnF disponible en ligne à cette adresse : https://catalogue.bnf.fr que l’on repérera les cotes des dessins dont on souhaite demander la consultation. 

Pour effectuer une recherche autour de l’œuvre dessinée d’un artiste, il faudra suivre quelques étapes simples.  Pour connaitre, par exemple,  la cote des dessins de Stefano della Bella conservés au Département des Estampes, il faut entrer le nom de l’artiste dans la barre de recherche.

La section « AFFINER » permet de trier les résultats obtenus : en choisissant « DOCUMENTS ICONOGRAPHIQUES », nous pouvons effectuer une première sélection

Il devient possible dès lors, dans la colonne de gauche, de choisir la « CATÉGORIE TECHNIQUE » et de sélectionner l’option « DESSIN » pour isoler les notices relatives à l’œuvre dessinée de Stefano della Bella

Après avoir choisi le dessin qui nous intéresse, par exemple la Vue du Louvre et de la Tour de Nesles,:  la localisation de l’œuvre – et donc sa cote – sont disponibles dans la colonne de droite. Nous apprenons donc que le dessins  est conservé sur le site Richelieu, au département des Estampes, et qu’il est classé sous la cote RESERVE VE-53 (G) – FOL. Cette section nous indique aussi le numéro du microfilm correspondant.

Il est également possible d’effectuer une recherche à partir de la cote du document : il faut retourner à la page d’accueil du catalogue général et sélectionner « COTE » dans la section horizontale « VOUS RECHERCHEZ PRÉCISEMENT »

Malgré les efforts constants de l’équipe du Département des Estampes et de la photographie, un nombre encore important de dessins italiens ne fait pas l’objet d’une notice individuelle.  C’est pour cette raison que, par exemple, le Rébus de Stefano della Bella ne figure pas dans la liste de résultats relatifs aux dessins de cet auteur conservés dans les collections. Les notices des recueils disponibles dans le catalogue général peuvent aussi orienter le chercheur, en présentant parfois la liste des artistes, comme dans le cas de la cote Réserve B-3 (D, 1-3) – Boite fol [10]

Il est aussi possible d’adresser des questions aux équipes du département des Estampes et de la photographie à l’adresse générique : estampes-photographie@bnf.fr

Parallèlement au catalogue général, il est possible  de mener des recherches iconographiques dans la banque d’images, un « outil d’exploration des collections iconographiques numérisées de la bibliothèque ». La banque d’images permet d’acheter des images en haute définition. En raison du grand nombre d’objets numérisés, la banque d’images constitue une ressource très utile et complémentaire au catalogue général et à Gallica.

[1] Dessins de la Renaissance. Collection de la Bibliothèque Nationale de France, Département des Estampes et de la photographie, cat. exp., Barcelone, Fundaciò Caixa Catalunya, 21 octobre 2003-18 janvier 2004, Paris, Bibliothèque Nationale de France, galerie Mazarine, 24 février-4 avril 2004, dir. Gisèle Lambert, Bibliothèque Nationale de France, 2003.

[2] Voir la notice dans le catalogue général http://ark.bnf.fr/ark:/12148/cb44502539s

[3] Pour de plus amples informations sur le cadre de classement des collections du Département des Estampes et de la Photographie de la Bibliothèque Nationale, lire  https://www.bnf.fr/sites/default/files/2019-02/classement_estampes.pdf

[4] Paolo Farinati, Giornale (1573-1606), sous la direction de Lionello Puppi, Firenze, Leo. S Olschki Editore, 1968, pp. 70-71.

[5] Le volume est entièrement consultable en ligne : http://ark.bnf.fr/ark:/12148/cb40349276s

[6] Pour voir d’autres exemples de marques de dons et d’acquisitions en usage au Département des Estampes, consulter http://www.marquesdecollections.fr/

[7] Voir la notice dans le catalogue général http://ark.bnf.fr/ark:/12148/cb45088085z

[8] Le répertoire est consultable en ligne    http://www.marquesdecollections.fr/ et voir Jacqueline Melet-Sanson, « Les estampilles de propriété du Département des estampes » dans Nouvelles de l’estampe, mai 1985, n° 80.

[10] Voir la notice dans le catalogue général http://ark.bnf.fr/ark:/12148/cb44502539s

Pauline Chougnet

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Un dessin préparatoire pour le Monasticon Gallicanum acquis par le département des Estampes et de la photographie : la vue de Saint-Germain-des-Prés du frère Guillaume de la Tremblaye (1687)

Par Pierre-Marie Sallé, chercheur postdoctorant (Translitterae-ENS/BnF), accueilli au département des Estampes et de la photographie.

Le Monasticon Gallicanum est un recueil historique sur les monastères réformés par la congrégation de Saint-Maur. Les mauristes ne créèrent jamais de nouveaux monastères mais réformèrent, à partir de 1618, quelque deux-cents monastères d’ancienne fondation dans le royaume de France. A partir du milieu du siècle, ils entreprirent d’en faire l’histoire. Leurs recherches érudites les rendirent vite célèbres, autour de la figure de dom Jean Mabillon (1632-1707). En 1672 dom Michel Germain (1645-1694) commença le Monasticon Gallicanum. Il prépara alors des notices historiques sur chacun des monastères mauristes (celle de Saint-Germain-des-Prés fut imprimée), tandis que des vues cavalières furent réalisées pour les illustrer. C’est à travers ces vues que le Monasticon Gallicanum est davantage connu aujourd’hui. Le projet éditorial n’aboutit pas, avec la mort prématurée de dom Germain en 1694. Sur les 180 établissements dont devait traiter le Monasticon, 145 firent l’objet d’une représentation avant l’abandon du projet.

Dom Michel Germain, Notice imprimée de Saint-Germain-des-Prés pour le Monasticon Gallicanum, vers 1690. BnF ms. lat. 12674, f. 194r 

Pour représenter les monastères, différentes méthodes furent employées. Soit un « profil » dessiné était directement demandé à chaque établissement, soit des séries furent réalisées par les religieux architectes qui travaillaient alors à la reconstruction des monastères en circulant au sein de la congrégation. Ces dessins collectés à la maison centrale des mauristes, Saint-Germain-des-Prés, furent rapidement gravés. C’est sous cette forme que la plupart des vues nous sont parvenues. Il nous reste très peu de dessins préparatoires. Jusqu’à récemment, seuls deux étaient connus, conservés au département des Estampes dans la collection Destailleur : le dessin de la vue de l’abbaye Saint-Nicaise de Reims, daté 1675 et signé par dom François Vrayet, mauriste architecte actif dans le nord de la France ; celui de Saint-Père de Chartres, daté 1682 et signé par le frère Guillaume de la Tremblaye, exerçant quant à lui davantage en Normandie. Le premier intérêt à disposer de ces dessins est d’obtenir la date et la signature de l’auteur. En effet, pour une raison inconnue, certaines planches gravées du Monasticon ont conservé la date et/ou la signature du dessinateur, mais d’autres non. Ensuite, cela permet la comparaison entre le dessin et l’estampe. On constate ainsi la perte de la précision de certains détails lors du passage à la gravure. Enfin, plus largement, l’identification et la datation enrichissent notre compréhension des conditions de production de l’œuvre.

François Vrayet, Vue de l’abbaye Saint-Nicaise de Reims, 1675, BnF, Est, Réserve Ve-26 (R)-Fol, collection Destailleur Province, t. 13, 2969
Guillaume de la Tremblaye, Vue de l’abbaye Saint-Père de Chartres, 1682, dessin, BnF, Est, Réserve VE-26 (K)-FOL, collection Destailleur Province, t. 6, 1351

La redécouverte récente (2022) et l’acquisition par le département des Estampes et de la photographie d’un troisième dessin revêt donc une importance particulière, d’autant plus qu’il s’agit de la vue de la maison centrale des mauristes, Saint-Germain-des-Prés. 

Guillaume de la Tremblaye, Vue de Saint-Germain-des-Prés, 1687, dessin, BnF, Est, Réserve B-11 (A,13)-Ft 4

On connaissait jusqu’alors la vue gravée de l’abbaye parisienne, qui avait connu deux versions successives. Une première version[1], dessinée et gravée entre 1672 et 1687, présentait un défaut de perspective et fut remplacée. La construction de nouveaux bâtiments put également encourager le renouvellement de la représentation. 

Vue de l’abbaye de Saint-Germain-des-Prés, première version gravée, entre 1672 et 1687, BnF ms. lat. 11820

La seconde version fut donc dessinée en 1687 par le frère Guillaume de la Tremblaye, puis gravée.

Vue de l’abbaye Saint-Germain-des-Prés, seconde version gravée, BnF, Est, Smith-Lesouef S-2815

L’estampe comporte la date, mais pas la signature du religieux. La seconde vue de Saint-Germain-des-Prés vient donc s’ajouter aux estampes portant la signature du mauriste : Saint-Pierre de Jumièges (1678), Saint-Pierre de Préaux (1683), la Trinité de Vendôme (seconde version[2], 1683). La Tremblaye est le plus connu des architectes mauristes[3]. Né à Bernay en 1644, il fit profession dans la congrégation de Saint-Maur en 1669. A partir de 1675, il conçut et sculpta du mobilier liturgique dans plusieurs abbayes mauristes (Caen, Saint-Malo, Meaux). A partir de 1685, il dressa des plans de reconstruction pour des monastères de la congrégation (Le Mans, Bernay, Caen, Saint-Denis, Blois, Bayeux, Lessay, Saint-Benoît-sur-Loire, Aumale). Il décéda en 1715. Il s’agit donc d’un religieux architecte et sculpteur particulièrement actif, et suffisamment reconnu par ses confrères pour reprendre l’image de plusieurs abbayes dans le Monasticon, y compris celle de Saint-Germain-des-Prés.

La vue cavalière de Saint-Germain montre l’état de l’abbaye à la fin du XVIIe siècle. On distingue l’église abbatiale (n°3) dont les deux clochers du chœur sont encore en élévation (détruits à la Révolution) ; le vaisseau gothique du réfectoire (n°12, à partir de 1235), dont un remplage est encore visible dans le vestibule de l’immeuble du 16, rue de l’abbaye ; la chapelle de la Vierge (n°6, 1245-1255) de Pierre de Montreuil, dont le portail se trouve au musée de Cluny, et quelques vestiges dans le square Laurent Prache. Ces éléments montrent l’intérêt porté par les mauristes à la conservation des parties médiévales les plus significatives de leurs abbayes, leur réforme monastique moderne s’enracinant volontairement dans l’histoire. L’histoire architecturale de l’abbaye à la période moderne reste à faire, mais on peut relever encore le grand cloître d’ordre dorique dont quelques arcades subsistent au 13, rue de l’abbaye. De même, la vue du frère de la Tremblaye documente la partie orientale de l’enclos aux tours médiévales, dévolue à l’abbé commendataire, avant l’ouverture de la rue de Furstemberg et de la rue Cardinale entre 1697 et 1704. On voit aussi l’élévation du palais abbatial avant les modifications de Louis de Bourbon-Condé au milieu du XVIIIe siècle.

La vue de la Tremblaye reste néanmoins construite sur un point de fuite unique qui corrige volontiers les irrégularités du plan, et gomme par exemple la forme trapézoïdale du grand cloître. Elle répond aux exigences d’ordre et de clarté de l’architecture mauriste, dans une vue d’ensemble qui s’attarde volontiers au détail architectural. Le Monasticon Gallicanum voulait mettre en valeur l’œuvre de relèvement mauriste des monastères après les crises du XVIe siècle. Chacune à leur manière, les notices et les vues montraient comment la congrégation de Saint-Maur renouait avec la splendeur médiévale des abbayes françaises.

La redécouverte du dessin de Saint-Germain-des-Prés laisse espérer la réapparition d’autres dessins préparatoires au Monasticon et fournit un document supplémentaire pour l’histoire de l’abbaye parisienne.

L’acquisition de ce dessin par le département des Estampes et de la photographie a bénéficié du généreux soutien de la Société des Amis de la BnF. 

[1] « REGALIS ABBATIAE S[ANCTI] GERMANI A PRATIS TOPOGRAPHIA »

[2] « Cardinalis Abbatiae S.[anctis]S[im]ae Trinitatis Vindocinensis Topographia »

[3] Voir Thomas Homshaw, « Un moine mauriste sculpteur, décorateur et architecte : le frère Guillaume de la Tremblaye (1644-1715) », mémoire de maîtrise, Paris Sorbonne, dir. Claude Mignot, Centre André Chastel, 2002.

Pauline Chougnet

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Prints and drawings from the School of Fontainebleau. Production, dissemination, audience 9-10 June 2022

Antonio Fantuzzi after Rosso, l’unité de l’Etat, etching, circa 1543, BnF, Estampes, Eb-14(d)-fol, detail.

The Department of Prints and Photographs of the Bibliothèque nationale de France houses an outstanding collection of prints and drawings from the School of Fontainebleau. It holds over a thousand impressions of the approximately four hundred prints executed at the château of Fontainebleau between 1542 and 1547, and numerous drawings both by artists active at the court and by contemporaries who were profoundly influenced by the innovative Fontainebleau style. Thanks to the support of the Getty Foundation through its Paper Project initiative, the BnF has launched a two-year research and cataloguing project centred on this rich collection.

To mark the end of the project in 2022, the BnF and the Ecole nationale des chartes are organising a two-day colloquium that will bring to the fore new research on the Fontainebleau School and possible avenues of future investigation. The proceedings will be published in the online journal the Nouvelles de l’Estampe.

            Francis I’s ambitious campaign to modernise and expand the palace of Fontainebleau marked a turning point in the history of French Renaissance art. During the 1530s and 1540s, artists and craftsmen from Italy, France and northern Europe converged at the site to produce a radically innovative style characterised by a highly-wrought ornamental language, which was quickly disseminated throughout the continent. The prints and drawings produced at Fontainebleau played a crucial role in the propagation of this new style. The Fontainebleau printmakers were particularly inventive and experimental in their approach, making extensive use of the technique of etching and displaying a freedom of invention hitherto unseen in the medium.

The prints and drawings from the Fontainebleau School found their place in collections early on. From the eighteenth century, they became the object of study by print historians. Pierre-Jean Mariette (1694-1774) was the first to focus on defining the school and identifying the individual printmakers. In 1818, Adam von Bartsch took the decisive step of devoting the last chapter of the sixteenth volume of his Peintre-Graveur to the 143 “prints produced by anonymous artists after the paintings of Fontainebleau”, and in doing so, coined the term “École de Fontainebleau”. Over the course of the nineteenth century and the first half of the twentieth, Alexandre-Pierre-François Robert-Dumesnil, Félix Herbet, Jules Lieure, Jean Adhémar, André Linzeler, Leon de Laborde and Ernest Coyecque assigned further prints to the school and published archival documents that shed light on the life and work of the artists. The restoration of the Galerie François Ier in the early 1960s prompted a renewed interest in and publications on the subject, which included Henri Zerner’s ground-breaking book L’Ecole de Fontainebleau. Gravures (1969). Since then, a number of exhibitions have contributed further to our understanding and knowledge of the Fontainebleau School: L’École de Fontainebleau at the Grand Palais (1972); Gravure française de la Renaissance at the Bibliothèque nationale de France (1994-1995); Primatice, maître de Fontainebleau at the Musée du Louvre (2004-2005); Luca Penni, Un disciple de Raphaël à Fontainebleau also at the Louvre (2012-2013); and Le roi et l’artiste. François Ier et Rosso Fiorentino at the Château of Fontainebleau (2013). More recently, Catherine Jenkins’s in-depth study Prints at the Court of Fontainebleau, c. 1542-1547 (2017) made significant progress towards identifying the prints, their makers and the methods of print production used at the court. Over the last few years, the exhibitions The Renaissance of Etching (Metropolitan Museum of Art, 2019-2020) and Gravure en clair-obscur (Musée du Louvre, 2018-2019) shed further light on specific aspects of print production at Fontainebleau.

The study days will revolve around three broad themes:

    1. The “first” School of Fontainebleau: prints and drawings

This session will consider the prints and drawings executed at Fontainebleau in the 1530s and 1540s. Papers may focus on the circumstances and methods of print production at the court, the individual printmakers and draftsmen, the influences on their work and questions of iconography. Comparisons with other sixteenth-century printmaking centres are encouraged, as well as proposals that address the materiality of the objects and the technical analysis of their inks, paper, and states.

  1.  Reception in France and Europe

Produced during a time of expanding trade networks, the Fontainebleau School prints and drawings were quickly disseminated and widely copied by artists and craftsmen across Europe. We welcome contributions on the circulation of the works and on the dispersal of the printing plates, some of which reached Italy and perhaps the north. Within the broad themes of function and reception, discussions may address workshop practices that reflect the Fontainebleau model; the prints’ role as a conduit for artistic exchange in France and abroad; the ways in which sixteenth-century artists adapted and assimilated Fontainebleau designs and motifs in their work; and the enduring influence of the ornament style on the decorative arts.

3. Collectors and collections of Fontainebleau School prints and drawings

The third session will examine collecting practices, the taste for prints and drawings from the Fontainebleau School and how this evolved over time. Papers should therefore consider the historiography of the works and the manner in which they were appreciated, interpreted, discussed and collected from the sixteenth century onwards. In this context, we encourage proposals on the constitution and reconstruction of historic collections that form the core of French and European institutions today.

Organising committee :

  • Anna Baydova, Getty Paper Project Fellow, Department of Prints and Photographs, Bibliothèque nationale de France, and researcher, SAPRAT research group (EPHE, EA-4116)
  • Pauline Chougnet, conservatrice des bibliothèques, in charge of drawings, Department of Prints and Photographs, Bibliothèque nationale de France
  • Catherine Jenkins, independent art historian
  • Corinne Le Bitouzé, conservatrice générale des bibliothèques, deputy director of the department of prints and photographs, Bibliothèque nationale de France 
  • Marc Smith, professor of palaeography, École nationale des chartes 
  • Gennaro Toscano, Conseiller scientifique pour le Musée, la recherche et la valorisation, Bibliothèque nationale de France 
  • Caroline Vrand, conservatrice du patrimoine in charge of fifteenth- and sixteenth-century prints and drawings, Department of Prints and Photographs, Bibliothèque nationale de France

Practical information:

Proposals should be a maximum of 300 words. They should include a title and be accompanied by a short biography of the author.  Submissions should be emailed to reserve-estampes-photographie@bnf.fr before the 4th of December 2021.

Candidates will be notified by the 14th of January 2022.  

The study days will take place at the École nationale des chartes in Paris on the 9th and 10th of June 2022.

The conference proceedings will be published in the online journal the Nouvelles de l’estampe in the autumn of 2022.

Accommodation and travel expenses will be covered by the organisers, with the support of the Getty Foundation through its Paper Project initiative

Pauline Chougnet

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Estampes et dessins de l’école de Fontainebleau. Production, diffusion, collection. 9-10 juin 2022.

Antonio Fantuzzi d’après Rosso, L’unité de l’État , eau-forte, vers 1543.
BnF, Estampes, EB-14 (D)-FOL. Détail

Le département des Estampes et de la Photographie de la Bibliothèque nationale de France conserve un exceptionnel ensemble d’estampes et de dessins de l’école de Fontainebleau. Son fonds de gravures bellifontaines est le plus riche au monde, rassemblant un millier d’épreuves des près de quatre cents estampes produites à Fontainebleau entre 1542 et 1547. S’y ajoute une collection de dessins de premier plan, comprenant à la fois des œuvres des artistes actifs sur le chantier de Fontainebleau et des maîtres du XVIe siècle qui ont été durablement influencés par ce foyer. De novembre 2020 à novembre 2022, la Bibliothèque nationale de France s’est engagée dans un vaste chantier de recherche et de valorisation de ce fonds de référence, grâce au mécénat de la fondation Getty (Paper Project).

Pour marquer l’aboutissement de ce programme, la BnF et l’École nationale des chartes s’associent dans l’organisation de deux journées d’études appelées à réunir les chercheurs ainsi que les professionnels des musées et des bibliothèques. Elles seront l’occasion de faire le point sur l’avancée des travaux menés ces dernières années sur les estampes et les dessins de l’école de Fontainebleau et aussi d’identifier les perspectives de recherche à poursuivre. Les actes de ces journées seront publiés dans la revue en ligne Nouvelles de l’estampe.

L’ambitieux chantier de rénovation que François Ier entreprend au château de Fontainebleau constitue un moment décisif pour l’histoire de l’art du XVIe siècle et un jalon déterminant pour l’épanouissement de la Renaissance en France. Dans les années 1530-1540 sont ainsi réunis à Fontainebleau des artistes de tous horizons, italiens, français et nordiques, qui forment un groupe habituellement désigné sous l’appellation d’« école de Fontainebleau ». Au sein de cette école, les arts graphiques tiennent une place inédite. Les artistes employaient le dessin et l’estampe pour la diffusion du nouveau style bellifontain et c’est sur le chantier de Fontainebleau que la gravure à l’eau-forte fit sa première apparition en France en devenant un véritable champ d’expérimentation artistique et technique.

Objets de collection dès le XVIe siècle, les estampes et les dessins de Fontainebleau s’imposèrent aussi peu à peu comme un objet d’étude à part entière. Au XVIIIe siècle, Pierre-Jean Mariette est l’un des premiers à esquisser les contours de la production gravée bellifontaine et à s’intéresser aux graveurs, et non plus seulement aux motifs représentés ou aux peintres des modèles. En 1818, Adam von Bartsch franchit un pas décisif en consacrant le dernier chapitre de son 16ème volume du Peintre graveur dédié aux « peintres ou dessinateurs italiens » à 143 « estampes gravées par différents peintres anonymes d’après les peintures de Fontainebleau », corpus que l’auteur rassemble alors pour la première fois sous la dénomination d’« école de Fontainebleau ». Au cours du XIXe siècle et dans la première moitié du XXe siècle, les travaux de Alexandre-Pierre-François Robert-Dumesnil, Félix Herbet, Jules Lieure, Jean Adhémar, André Linzeler, Léon de Laborde et Ernest Coyecque permirent de compléter le corpus des pièces bellifontaines et de repérer les documents d’archives portant sur la vie et les œuvres des maîtres de cette école. Au début des années 1960, les travaux de restauration de la galerie François Ier ont suscité un renouveau de l’intérêt des chercheurs et la publication d’Henri Zerner, L’École de Fontainebleau. Gravures (1969), marque une étape décisive dans l’étude de cet ensemble. Depuis, plusieurs expositions ont permis de faire avancer la recherche : L’École de Fontainebleau en 1972 au Grand Palais, Gravure française de la Renaissance à la Bibliothèque nationale de France en 1994-1995, Primatice, maître de Fontainebleau au musée du Louvre en 2004-2005, Luca Penni, Un disciple de Raphaël à Fontainebleau au musée du Louvre, 2012-2013, Le roi et l’artiste. François Ier et Rosso Fiorentino au château de Fontainebleau en 2013. Enfin, très récemment, l’étude approfondie de Catherine Jenkins (Prints at the court of Fontainebleau, c. 1542-1547, 2017) a permis des avancées majeures de la connaissance des estampes produites à Fontainebleau, tandis que des expositions (The Renaissance of Etching, Metropolitan Museum of Art, 2019-2020 ; Gravure en clair-obscur, Musée du Louvre, 2018-2019) ont pu se focaliser sur des aspects précis de la production gravée bellifontaine.

Dans la lignée de ces travaux, les journées d’études proposent de se concentrer sur trois axes principaux.

1. La production graphique de la première école de Fontainebleau

 Le premier axe se concentre sur la production d’estampes et de dessins à Fontainebleau dans les années 1530-1540 : aspects et circonstances de cette production, figures de dessinateurs et de graveurs, influences stylistiques dont se nourrissent les artistes, iconographie et interprétation des œuvres. Les propositions pourront relever d’approches indifféremment monographiques ou collectives. Pour aborder ces problématiques, des mises en perspective pourront être faites avec des foyers de production peu ou prou contemporains.

Des contributions sur les aspects techniques de cette production sont vivement encouragées, de même que des études portant sur la matérialité des feuilles : étude des encres, des filigranes et des papiers, analyse des états et des tirages des gravures, étude des impressions en couleur et des clairs-obscurs, etc…

2. La réception de l’art bellifontain en France et en Europe

Moyens de diffusion des modèles et supports de travail et de formation dans des ateliers d’artistes, les dessins et les estampes réalisés à Fontainebleau ont fait l’objet d’une circulation rapide et aussi de multiples copies. Des contributions sont attendues sur l’analyse des réseaux de transmission de ces dessins, estampes et planches gravées. Seront aussi encouragées des études sur la fonction des œuvres graphiques et des pratiques artistiques développées dans leur sillage (modalités d’apprentissage, copies, rapport entre les dessins et les gravures).La question des échanges artistiques pourra aussi être abordée à travers la réception des modèles, motifs et ornements bellifontains en France et à l’étranger au XVIe siècle ainsi que leurs réminiscences dans l’art de l’époque moderne et contemporaine. L’influence de l’école de Fontainebleau sur les arts décoratifs présentera également un aspect important de cet axe de recherche.

3. Collectionneurs et collections de dessins et d’estampes de l’école de Fontainebleau 

Le troisième axe portera sur les pratiques de collection des arts graphiques de l’école de Fontainebleau. Leur étude permet de retracer l’histoire du goût et de mieux comprendre la perception de ces œuvres par le public et les amateurs. Dans ce cadre, des études historiographiques et des contributions portant sur les collectionneurs d’estampes ou de dessins bellifontains depuis le XVIe siècle sont souhaitées, tout comme des propositions sur l’histoire de la constitution des fonds aujourd’hui conservés dans les institutions françaises ou étrangères.

Comité d’organisation :

  • Anna Baydova, pensionnaire conservateur du Getty Paper Project au département des Estampes et de la Photographie de la BnF, chercheuse associée de l’équipe SAPRAT (EPHE, EA-4116)
  • Pauline Chougnet, conservatrice des bibliothèques, chargée des collections de dessins au Département des Estampes et de la photographie de la BnF
  • Catherine Jenkins, docteur en histoire de l’art, historienne de l’art indépendante
  • Corinne Le Bitouzé, conservatrice générale des bibliothèques, adjointe à la directrice du département des Estampes et de la photographie de la BnF
  • Marc Smith, professeur de paléographie, École nationale des chartes 
  • Gennaro Toscano, Conseiller scientifique pour le Musée, la recherche et la valorisation à la BnF
  • Caroline Vrand, conservatrice de patrimoine, chargée des estampes des XVe et XVIe siècles au département des Estampes et de la Photographie de la BnF

Informations pratiques :

Les propositions de communication se feront sous forme de résumés de 300 mots maximum, accompagnées d’un titre et d’une brève présentation bio-bibliographique de l’auteur ; elles sont à envoyer par courrier électronique à reserve-estampes-photographie@bnf.fr avant le 4 décembre 2021.

Langues acceptées : français et anglais

Les candidats retenus seront notifiés le 14 janvier 2022

Les journées d’étude auront lieu à Paris, à l’École nationale des chartes, le 9 et le 10 juin 2022

Les actes seront publiés dans les Nouvelles de l’estampe (revue en ligne) à l’automne 2022

Les frais d’hébergement et de déplacement seront pris en charge par les organisateurs, avec le mécénat de la fondation Getty (Paper Project)

Cet événement est rendu possible grâce au soutien de la fondation Getty (Paper Project)

Pauline Chougnet

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Bourse BnF-Getty Paper project (2020-2022) (H/F)

Fantuzzi, Mars et Vénus au bain, BD-19 (2)-FOL

Avec le soutien de la Getty Foundation et dans le cadre du “Paper Project”, le département des Estampes et de la photographie de la Bibliothèque nationale de France recrute un pensionnaire-conservateur (Curatorial Fellowship) (H/F), à plein temps, pour une durée de 24 mois (novembre 2020-novembre 2022).

Cette bourse permettra à un jeune historien de l’art souhaitant devenir conservateur d’arts graphiques de se former auprès des conservateurs du département, en étant pleinement intégré à l’équipe scientifique et associé à l’ensemble de ses activités (recherche, inventaire, conservation préventive, restauration, diffusion, valorisation des collections).

Le lauréat sera plus particulièrement chargé d’un projet d’étude et de recherche sur l’estampe et le dessin français du 16e siècle, centré sur l’école de Fontainebleau.

Il participera aux différentes opérations prévues pour la réouverture du site historique de la BnF, rue de Richelieu, à l’issue de l’important chantier de rénovation actuellement en cours.

Profil et qualifications recherchés 

  • Diplôme de Master (ou équivalent) en histoire de l’art
  • Intérêt pour l’estampe et le dessin anciens
  • Intérêt pour les questions de conservation préventive et de restauration
  • Forte motivation pour les métiers de la conservation du patrimoine
  • Capacité d’organisation et de travail en équipe
  • Maîtrise courante du français écrit et parlé (la maîtrise d’une autre langue sera un atout)

Missions

Le pensionnaire (H/F) travaillera sous la supervision de l’équipe des conservateurs aux missions suivantes :

  • Recherche, inventaire et conservation préventive pour la collection d’estampes et de dessins de (et autour de) l’école de Fontainebleau. Le pensionnaire aura l’opportunité de se rendre dans les grandes collections européennes d’arts graphiques et sera en contact avec les experts internationaux.
  • Organisation d’une journée d’étude sur les estampes et les dessins de l’école de Fontainebleau
  • Participation aux activités quotidiennes du département : accueil des étudiants, chercheurs et conservateurs, coopération avec l’atelier de restauration du département, examen des demandes de prêts…
  • Participation à la réouverture de la Bibliothèque et du musée sur le site Richelieu : sélection des trésors, rédaction des cartels, travail sur les expositions temporaires

Candidature

Les dossiers doivent être en langue française

  • CV (maximum 3 pages)
  • Lettre de motivation (maximum 2 pages)
  • Bibliographie (sélection des principales publications ou communications, travaux académiques)

Calendrier

  • 30 juin 2020 : date limite de dépôt des dossiers 
  • 15 juillet 2020 : envoi des notifications aux candidats pré-sélectionnés 
  • 31 août – 4 septembre 2020 : entretiens pour les candidats pré-sélectionnés. Les entretiens se dérouleront sur le site de la BnF-Richelieu (58 rue de Richelieu, 75002). Les frais de déplacements ne seront pas pris en charge. Des entretiens virtuels peuvent être mis en place (Skype)
  • 7 septembre 2020 : sélection et notification au candidat retenu
  • 2 novembre 2020 : début de la mission 

Les candidatures électroniques doivent être envoyées à l’adresse suivante : reserve-estampes-photographie@bnf.fr

Les dossiers papiers, par voie postale, ne seront pas acceptés.

Toute demande d’information peut être envoyée à l’adresse : reserve-estampes-photographie@bnf.fr. Merci d’indiquer, en objet du message, « 2020 – BnF/Getty »

Pauline Chougnet

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Acquisition d’un portrait de Nanteuil (mars 2017)

Le département des Estampes et de la Photographie a fait la préemption, à la vente Ader-Nordmann du vendredi 24 mars 2017, d’un portrait réalisé par Robert Nanteuil (lot 24).

Réserve B-6 (A)-BOITE ECU

Ce dessin, de très petites dimensions (9,4 x 7,2 cm) était destiné à illustrer le Vray théâtre d’honneur et de chevalerie (1648), important traité sur la noblesse, dont l’auteur, Marc Vulson de La Colombière, est le sujet du dessin.

Exécuté très finement à la pointe d’argent, il permet de documenter la pratique d’un des quatre grands graveurs mentionnés par Charles Perrault dans ses Hommes Illustres en 1700 : Robert Nanteuil (vers 1623-1678). Nanteuil représente la quintessence de la gravure au burin sous Louis XIV. Son œuvre de dessinateur – car il grave essentiellement d’après ses propres compositions – a récemment été mise en valeur dans un ouvrage d’Audrey Adamczak1 et réévalué comme celui d’un des pastellistes majeurs.

Ce dessin est très original dans l’œuvre de Nanteuil, car il est l’un des très rares dessins du maître à faire usage d’une autre technique que le pastel : il est tracé à la pointe d’argent. Il permet de documenter les débuts de la carrière de Nanteuil, encore jeune artiste – ce n’est d’ailleurs pas lui qui gravera l’estampe d’après ce dessin, mais son beau-frère Nicolas Regnesson. François Chauveau en ayant dessiné la composition d’ensemble.

Il s’agit aussi d’un des rares témoignages du travail de Nanteuil pour le monde du livre – il grave sinon essentiellement pour des estampes en feuille, et surtout des portraits destinés à des thèses. Au-delà de l’histoire de l’estampe et du dessin, le portrait documente la production d’un livre majeur pour l’histoire culturelle et des élites du XVIIe siècle.

Le département des Estampes et de la Photographie possède l’ensemble de l’œuvre gravé du maître, ainsi qu’un très beau portrait au pastel de Louis XIV, également préparatoire à la gravure.

Réserve B-11 (A)-boîte Ft-4

  1. Robert Nanteuil, ca. 1623-1678, Paris, Arthena, 2011 [↩]

Pauline Chougnet

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Salon du dessin 2016 Portraits dessinés de David à Delacroix

Au début du mois d’avril, comme tous les ans pendant la « Semaine du Dessin », a eu lieu une présentation éphémère des collections du département des Estampes et de la Photographie.

Salon du dessin 2016 salle de la Réserve du
Présentation des dessins à la Réserve

Dans la salle de la Réserve construite par Michel Roux-Spitz, les visiteurs ont ainsi pu voir une sélection d’une vingtaine de portraits dessinés de la fin du XVIIIe au milieu du XIXe siècle1 . La période choisie correspondait au thème sélectionné par les organisateurs du Salon pour les Rencontres internationales, intitulées «  De David à Delacroix », en hommage à l’exposition fondatrice de 1974 au Grand Palais.

Dans l’immense collections de portraits du département des Estampes figurent en effet de nombreux dessins, acquis dès les débuts du Cabinet, dont, par exemple, plusieurs centaines de portraits aux trois crayons du XVIe siècle.

La sélection comprenait plusieurs œuvres de la période révolutionnaire, comme le portrait mortuaire du martyr Michel Le Pelletier de Saint-Fargeau attribué à Charles Meynier (1763-1832).

Le Pelletier de Saint-Fargeau mort, par Charles Meynier (1763-1832)
Le Pelletier de Saint-Fargeau mort, par Charles Meynier (1763-1832), RESERVE QB-201 (130), Hennin 11404

Un dessin et une gravure « au physionotrace » étaient présentés ensemble. Pour comprendre le processus de leur création, du dessin « au trait » (grandeur nature) à sa diminution à l’eau-forte, un modèle réduit de la machine à dessiner les physionotraces les accompagnait. Cette machine, inventée par Gilles-Louis Chrétien (1745-1810) en 1786, permettait de tracer très rapidement le profil des personnes venues prendre la pose2 . Plusieurs centaines de physionotraces gravés sont conservés au département des Estampes, qui témoignent de l’éclosion d’un « premier monde médiatique, entre les années 1770 et les années 18303 ».

Appareil à dessiner les physionotraces
Modèle réduit d’un appareil à dessiner les physionotraces, Objet du musée, n°218

Une sélection de portraits-charges, plus tardifs, leur faisait écho : Chateaubriand croqué par Prosper Mérimée (1803-1870), le Baron Taylor dessiné par Nadar (1820-1910) et ses collaborateurs et un portrait en pied d’Eugène Delacroix par Eugène Giraud (1806-1881). Ces trois dessins furent réalisés dans des intentions extrêmement différentes. Le premier fut rapidement esquissé par Mérimée et sans doute sans intention d’être diffusé. C’est au contraire pour une publication, le « Panthéon Nadar », que furent réalisées les deux portraits du baron Taylor, un buste et un portrait en pied. Quant au Chateaubriand d’Eugène Giraud, il fut fait en réponse à une commande privée. Le baron de Nieuwerkerke demanda en effet au peintre graveur de représenter ainsi les illustres invités des Soirées du Louvre dans une suite de portraits-charges, dont une grande partie, donnée par la Princesse Mathilde, est conservée au département des Estampes et de la photographie.

Delacroix par Eugène Giraud
Delacroix par Eugène Giraud, RESERVE Na-87(2)-FT4

En face de ces portraits, tous masculins, des portraits féminins, caractéristiques de la période romantique, étaient présentés : celui de Louise Vernet, dessinée par son père Horace et celui de Marie d’Orléans représentée par le portraitiste mondain Jean-Baptiste Isabey.

Marie d'Orleans par Jean-Baptiste Isabey
Portrait de Marie d’Orléans par Jean-Baptiste Isabey, B-24-BOITE FOL

Enfin le genre de l’autoportrait était également représenté, empreint d’autodérision dans le cas du dessin de François-Auguste Biard, d’étrangeté, pour ceux de Jean-Jacques Lequeu ou d’une grande intensité, dans le cas du magnifique dessin à la pierre noire de Thomas Couture, réalisé l’année de sa réussite au Salon avec les Romains de la décadence.

Autoportrait de jean-Jacques Lequeu
Autoportrait de jean-Jacques Lequeu, RESERVE HA-80 (B, 6)-FOL

Pour plus de détails et la liste complète des œuvres présentées PDF

  1. Les dessins français du XIXe des collections du département des Estampes ont fait l’objet d’une exposition et d’un catalogue en 1991 : Da David a Bonnard [Texte imprimé] : disegni francesi del XIX secolo dalla Biblioteca nazionale di Parigi : [mostra, Firenze, Sala d’arme di Palazzo Vecchio, 15 dicembre 1990-17 febbraio 1991] / a cura di François Fossier, 1991, 277 p. [↩]
  2. Lors des Rencontres Internationales Philippe Bordes, Professeur d’histoire de l’art à l’université de Lyon 2, a inclus les physionotraces dans sa communication sur La vogue du portrait en médaillon à l’époque de la Révolution française, dont le texte sera publié prochainement, avec les autres interventions des deux journées des 30 et 31 mars 2016. [↩]
  3. Guillaume Mazeau, « Portraits de peu. Le physionotrace au début du XIXe siècle », Revue d’histoire du XIXe siècle [En ligne], 45 | 2012, mis en ligne le 31 décembre 2015, consulté le 08 mai 2016. DOI : 10.4000/rh19.4334. [↩]

Pauline Chougnet

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