Salon de l’Estampe : Homo bulla

L’iconographie de ces deux estampes, accompagnées de l’inscription « Quis evadet ? » – qui en réchappe ? –, renvoie à la phrase latine, longuement commentée par Erasme dans ses Adages, « Homo bulla », qui rappelle que la vie est brève, telle une bulle de savon.

Hendrick Goltzius (1558-1617), Quis evadet ?, vers 1590, gravure sur cuivre au burin. BnF, Département des Estampes et de la photographie, Ec-37c-Fol
Hendrick Goltzius (1558-1617), Quis evadet ?, vers 1590, gravure sur cuivre au burin. BnF, Département des Estampes et de la photographie, Ec-37c-Fol

Ces deux compositions sont très proches. Accoudé ou assis sur un crâne, un jeune enfant, à lui seul symbole du caractère éphémère de la jeunesse, s’amuse à souffler des bulles de savon, tandis qu’à ses côtés, de la fumée s’échappe d’un vase. Sont donc rassemblés ici les principaux symboles de la fugacité du temps en usage à la fin du XVIe siècle, avant que les vanités ne triomphent, au XVIIe siècle, par le biais du genre de la nature morte.

Atelier de Hendrick Goltzius, Quis evadet ?, 1594, gravure sur cuivre au burin. BnF, Département des Estampes et de la photographie, Ec-37c-Fol
Atelier de Hendrick Goltzius, Quis evadet ?, 1594, gravure sur cuivre au burin. BnF, Département des Estampes et de la photographie, Ec-37c-Fol

Si l’attribution de l’estampe de gauche fut un temps sujette à questions, elle est aujourd’hui considérée comme étant de la main même d’Hendrick Goltzius, artiste hollandais accompli, à la fois peintre, dessinateur et excellent buriniste. L’estampe de droite est, quant à elle, plus probablement de la main d’un membre de l’atelier de Goltzius et serait, selon Adam von Bartsch, une copie d’une estampe de l’artiste italien Augustin Carrache.

Salon de l’Estampe : les Bonnart

Les hauts personnages, et en particulier les princes du sang et les enfants de France, disposent de tout un personnel qui prend en charge les différents aspects de leur vie et de leur éducation. Sous l’autorité d’une gouvernante et d’une sous-gouvernante de haute noblesse, ces charges sont données à des dames de bonnes familles. En 1685, une « remueuse » (berceuse) reçoit 360 livres, une nourrice 1200. C’est surtout l’occasion pour elles d’approcher la famille royale et de vivre à la Cour.

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Les Bonnart, célèbre famille qui publie entre autres des gravures de mode, traitent ce sujet en soulignant le brillant avenir des enfants de France – occasion surtout de donner un portrait (non réaliste) des tout jeunes princes, pour lesquels existe une curiosité dans le public. Sont ici représentés les deux premiers petits-fils de Louis XIV – le duc de Bourgogne (1682-1712), père de Louis XV, et le duc d’Anjou, futur roi d’Espagne sous le nom de Philippe V – et le frère aîné de Louis XV, le duc de Bretagne, mort à l’âge de cinq ans en 1712.

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[Robert ?] Bonnart
Madame la nourrice de Monseigneur le duc de Bretagne (état III/III)
1707, eau-forte rehaussée de burin et mise en couleurs

Bibliothèque nationale de France, département des Estampes et de la Photographie

Réserve Zf-47-Petit fol., Smith-Lesouëf n° 9036

Jean-Baptiste Bonnart, La Promeneuse de Monseigneur le duc de Bourgogne et

La Remueuse de M. le duc d’Anjou
1685, eau-forte rehaussée de burin et mise en couleurs

Bibliothèque nationale de France, département des Estampes et de la Photographie

Réserve Zf-47-Petit fol., Smith-Lesouëf n° 9038 et 9050

Salon de l’Estampe : l’école au temps d’Abraham Bosse

Bosse, comme souvent, invente le sujet qu’il grave ensuite à l’eau-forte. Deux images, ici, se répondent et sont semblablement composées. Dans le coin d’un espace leur servant également d’appartement – un lit se trouve au fond de la pièce – un maître et une maîtresse d’école enseignent lecture et écriture à une douzaine d’enfants.

bosse

L’un comme l’autre, vieux et austères, sont reconnaissables à leurs attributs : les bésicles et les verges dont ils menacent les plus dissipés ou les moins doués. On y apprend essentiellement à lire et à écrire, tandis que d’autres enfants jouent ou se restaurent dans des classes où plusieurs âges sont encore mélangés.

bosse-maitresse

Abraham Bosse (v. 1604-1676)

Le maître d’école et La maîtresse d’école

Vers 1638, eau-forte, très légèrement rehaussée de burin

Bibliothèque nationale de France, Département des Estampes et de la photographie

Réserve Ed-30 (24)-Boîte Écu

Œuvres exposées au Grand Palais en 2016 pour le Salon du livre rare et de l’estampe

Salon de l’estampe 2015 : autoportrait de Jean Jouvenet, par Antoine Trouvain

Antoine Trouvain (Montdidier, 1652/3 – Paris, 1708)
d’après Jean Jouvenet
Jean Jouvenet, peintre ordinaire du roi
1707
Burin
Paris, BNF, Estampes, Kc-164 (4)-fol.

Autoportrait de Jean Jouvenet, gravé par Antoine Trouvain
Autoportrait de Jean Jouvenet, gravé par Antoine Trouvain

Antoine Trouvain est déjà un graveur reconnu quand il commence à travailler à cette estampe : il a réalisé des estampes de mode et les célèbres « Appartements de Versailles », montrant le roi dans son environnement quotidien. Il est aussi éditeur et vend le travail des autres, en particulier des almanachs. En 1705 – ultime reconnaissance –, il est jugé digne de l’Académie royale de peinture et de sculpture : celle-ci lui demande de fournir deux pièces de réception. L’une d’elle doit être un portrait de Jouvenet, selon le désir de Coysevox, directeur de l’Académie. Le format de la peinture interprétée oblige Trouvain à adopter un format très particulier, qui reprend la présentation habituelle des portraits gravés de cette époque (piédouche et encadrement imitant le marbre) mais à l’horizontal. Trouvain meurt peu après sa réception.

Nota :  Ce billet constitue le cartel de l’oeuvre présentée sur le stand de la BnF au Salon international de l’estampe de Paris (Grand Palais) en avril 2015.

Salon de l’estampe 2015 : Habit de peintre, par Larmessin

Nicolas Ier de Larmessin (Paris, 1632 – Paris, 1694)
Habit de peintre
v. 1690
Eau-forte et burin, mis en couleur
Paris, BNF, Estampes, Kc-164 (1)-fol.

Habit de peintre, par Nicolas de Larmessin
Habit de peintre, par Nicolas de Larmessin

Larmessin grave et édite à la fin du XVIIe siècle une série de portraits symboliques, connus sous le nom de « Costumes grotesques ». Chaque personnage représenté est une sorte de plaisant portrait allégorique, composé des outils nécessaires à une activité artisanale. La suite comprend 98 estampes – 62 publiées par Nicolas Ier de Larmessin entre 1688 et sa mort en 1694, 14 par sa veuve d’après ses dessins (1694-1701), et encore 22 par son frère cadet Nicolas II de Larmessin à partir de 1695 (sans intervention du frère aîné).

Le peintre est ici présenté entre paysage (à gauche) et scène de Cour (château/jardin à droite). Richement vêtu, il porte son chevalet – présentant un exemple de son art, un paysage avec un bâtiment au premier plan – et, en-dessous, deux portraits, un homme et une femme, typiques des commandes des particuliers du temps. Sur ses souliers, dans ses mains, à son chapeau, pinceaux et palettes complètent l’uniforme stéréotypé de l’artiste d’alors. Le peu de diversité des outils utilisés ne permet pas à Larmessin de réaliser l’un de ses meilleurs portraits symboliques… Nous présentons ici une version mise en couleur par un enlumineur – comme cela se faisait couramment sous l’Ancien Régime.

Nota :  Ce billet constitue le cartel de l’oeuvre présentée sur le stand de la BnF au Salon international de l’estampe de Paris (Grand Palais) en avril 2015.

 

Salon de l’estampe 2015 : Les Soucis du peintre, dessin de Marcus Gheeraerts l’Ancien

Marcus Gheeraerts l’Ancien. (Bruges, vers 1520-Angleterre, 1586/1604)
Les Soucis du peintre
1577
Plume et lavis sur papier, avec des rehauts de gouache blanche, sur fond rose
Paris, BNF, Estampes, Réserve B-12-boite fol

 

Marcus Gheeraerts l'Ancien, Les Soucis du peintre
Marcus Gheeraerts l’Ancien, Les Soucis du peintre

Peintre, dessinateur et graveur flamand, Marcus Gheeraerts l’Ancien fut reçu maître dans la corporation des peintres de Bruges en 1558 avant d’émigrer quelques années en Angleterre. Il laissa un certain nombre de dessins et d’eaux-fortes, notamment d’ornements et d’animaux.

Dans cette composition allégorique et satirique, qui mêle les détails réalistes de la vie quotidienne aux éléments irréels de la mythologie, Marcus Gheeraerts évoque les soucis d’un peintre vivant dans des conditions matérielles précaires, comme l’indique l’inscription située dans la partie inférieure du dessin, empruntée aux Satires de Juvénal, poète latin du début du IIe siècle : « Haud facile emergunt quorum virtutibus obstat res angusta domi » : « Ils ont du mal à réussir ceux dont le talent est gêné par la pauvreté domestique » (satire III, vers 164-165).

L’artiste, assis devant son chevalet, est en train de peindre une figure féminine dont le modèle pose sur la gauche de la composition. La tête inclinée, appuyée sur la main, elle semble dormir dans la posture de l’ange de la Mélancolie de Dürer, allégorie de l’imagination et des dons créatifs pour les arts du dessin et de la peinture ; accompagnée d’attributs – un livre, un compas, une mappemonde et un instrument de musique à cordes posé sur la table – qui évoquent les arts libéraux. Le peintre tourne la tête, l’air soucieux, vers sa famille représentée sur la droite : son épouse qui lui tient le bras gauche en allaitant un bébé, sa mère ou sa belle-mère, qui pose la main sur son épaule, et ses trois autres enfants en bas âge qui jouent ou apprennent à marcher. On aperçoit, dans une arrière-salle sur la droite, un domestique occupé à broyer des pigments pour préparer les couleurs. Ainsi distrait de son travail, l’artiste délaisse sa palette et son modèle.

Des personnages mythologiques tentent d’attirer l’attention du peintre sur son art : Cupidon, sous les traits d’un putto ailé lui tend son appui-main, Mercure, dieu de artistes, saisissant le tableau, touche la tête du peintre avec son caducée pour qu’il se remette au travail, et Saturne ailé lui rappelle que le temps passe… Le chevalet sépare nettement la composition en deux, entre les éléments allégoriques relatifs à la création d’un côté et les détails réalistes de l’autre. Marcus Gheeraerts, qui eut six enfants, trois de sa première épouse et trois de la seconde, et qui vit ses biens confisqués à cause de son adhésion au calvinisme, fait-il ici allusion à sa propre condition sociale difficile ?

Bibliographie : Jocelyn Bouquillard dans Dessins de la Renaissance. Collection de la Bibliothèque nationale de France, Département des estampes et de la photographie, exposition Barcelone (Fundació Caixa de Catalunya), Paris (BnF), 2003-2004, notice n° 14.

Nota :  Ce billet constitue le cartel de l’oeuvre présentée sur le stand de la BnF au Salon international de l’estampe de Paris (Grand Palais) en avril 2015.

Salon de l’estampe 2015 : A. Bosse, L’Atelier du peintre

Abraham Bosse (Tours v. 1604 – Paris, 1676)
L’Atelier du peintre (ou Le Noble peintre)
v. 1642
Eau-forte
Paris, BNF, Estampes, Ed-30a-fol. (vol. 4),
G. D. 1385 ; Blum 1076 ; Welsh Reed 7 ; Join-Lambert et Préaud 200

 

Abraham Bosse. L'Atelier du peintre
Abraham Bosse. L’Atelier du peintre

 

L’estampe apparaît comme une mise en abyme : un encadrement de fleur de lys entoure la scène représentée, commentée par un texte qui semble peint sur une pièce de tissu punaisée à la toile. L’ensemble est dominé par les armoiries de l’académie de Saint-Luc, confrérie liée à la communauté des maîtres peintres de Paris (d’azur à trois écus d’argent et à la fleur de lys d’or posée en cœur). Un véritable tableau – pourtant gravé et non peint – prend pour sujet la peinture.

Le peintre représenté respire l’opulence et le succès. Il vient de peindre un portrait du roi Louis XIII – sujet que la lettre, toujours respectueuse du pouvoir royal, déclare le plus haut des sujets donnant forcément lieu à « un chef d’œuvre sans prix ». Un page vient l’interrompre pour lui montrer une estampe (sans doute celle de Nicolas Viennot) d’après un tableau du hollandais Andries Both intitulé Le Peintre raté : sans doute un confrère malheureux vient-il lui demander audience, conseil, voire secours. La proximité des noms (A. Bosse / A. Both) et les figures contradictoires des deux peintres semble créer un couple antinomique qui met en tension la situation du graveur lui-même.

Le personnage debout est en effet en train de parler et la scène tout entière se place sous la digne de la discussion mondaine, voire de cour – bien loin de l’estampe de la même série qui porte sur les graveurs, et montre des artisans affairés. La capacité d’invention du peintre, provenant des livres (à gauche), des autres arts (sculpture à droite) et de la Nature (fenêtre à droite) le place au-dessus du simple artisan, dans la lignée d’Apelle et de Michel-Ange, comme l’indique la lettre, et digne de représenter les dieux, Anne d’Autriche et Richelieu (tableaux présents dans le fond). À travers cet éloge de la peinture, Bosse – artiste « intellectuel » auteur de nombreux écrits, inventeur de ses compositions, et mettant en œuvre dans cette estampe ce qu’il loue chez le peintre – semble paradoxalement revendiquer pour lui-même un statut qui le place au-dessus du graveur ordinaire.

Nota :  Ce billet constitue le cartel de l’oeuvre présentée sur le stand de la BnF au Salon international de l’estampe de Paris (Grand Palais) en avril 2015. L’image représente l’épreuve conservée dans la collection Hennin du département des Estampes (Hennin, 3212), et non celle exposée au Salon (Ed-30a-fol. (vol. 4)).

 

Salon de l’estampe : la bête du Gévaudan

Ces oeuvres ont été présentées sur le stand de la BnF au Salon international de l’estampe du Grand-Palais, en avril 2013. Nous en publierons les notices une à une durant l’été.

Notice de Rémi Gaillard, archiviste paléographe, conservateur stagiaire des bibliothèques, stagiaire au département des Estampes et de la Photographie de la BnF (avril 2013)

À partir du printemps 1764 et jusqu’en 1767,  le Gévaudan est le théâtre d’attaques animales inexpliquées : des dizaines de femmes et d’enfants sont massacrés par ce que l’on croit d’abord être des loups, puis une « Bête » unique, monstrueuse et toujours affamée de chair humaine. Les gazettes s’emparent de l’affaire, et la « Bête du Gévaudan » acquiert rapidement une renommée nationale et européenne.

Bête féroce qui a ravagé le Gévaudan en 1764
Bête féroce qui a ravagé le Gévaudan en 1764

L’image imprimée, dans ce contexte, est tout à la fois le vecteur et l’illustration du phénomène. L’enjeu est de dresser « le vrai portrait » (fig. 1) de l’animal, témoignages à l’appui, et dans cet effort de véracité l’image emprunte parfois sa forme à la planche d’un recueil d’histoire naturelle (fig. 2). La diversité des représentations atteste en tout cas des oscillations de l’opinion autour de l’identité de la « Bête ».

Hyenne
Hyenne

Le bois gravé (fig. 3) se prête à la figuration, archaïque et presque médiévale, d’un animal fantastique effrayant. Qu’elle ait été assimilée à une hyène (fig. 2) ou à un monstre hybride (fig. 1), la Bête du Gévaudan a alimenté la production d’estampes naïves, souvent sommaires, qui témoignent du rôle joué par l’image dans la naissance de mythes populaires.

Figure de la bête farouche
Figure de la bête farouche

Bête féroce qui a ravagé le Gévaudan
Burin
16,5 x 23 cm
Paris, Bibliothèque nationale de France, département des Estampes et de la Photographie
Hennin, 9189

Hyenne
Burin
23,5 x 44,5 cm
Paris, Bibliothèque nationale de France, département des Estampes et de la Photographie
Hennin, 9190

Figure de la bête farouche
Aux Associés, chez F.-G. Deschamps
Gravure sur bois et typographie
17,8 x 34,3 cm
Paris, Bibliothèque nationale de France, département des Estampes et de la Photographie
Qb1 (1764)